È stata una versione molto polemica della Carmen, quella che nel 2009 diede il via alla stagione del Teatro alla Scala di Milano.

Diretta da Daniel Barenboim (per lui fu la prima volta nel celebre teatro meneghino) con la regia di Emma Dante, divise fortemente la critica, a partire dalla scelta della regista palermitana di portare in scena la sua Sicilia al posto di Siviglia, ambientazione originale dell’opera messa in musica da Georges Bizet per la prima volta a Parigi il 3 marzo 1875.

Tratta dalla novella omonima di Prosper Mérimée del 1845 (con le variazioni del caso apportate da Bizet) non raggiunse immediatamente il successo e Bizet, morto tre mesi dopo la prima rappresentazione, non potè vedere la celebrità che l’opera riuscì a raggiungere (tanto da essere tutt’oggi replicata). Ma è noto che tanti grandi raggiungono la fama solo quando si trovano six feet under fossa.

La Carmen del 2009 e le polemiche

Scelta da Stéphane Lissner, allora sovrintendente e direttore artistico del teatro meneghino (lo sarà tra il 2005 e il 2015), la Dante parlerà così della sua Carmen in un’intervista rilasciata a La Repubblica: “Carmen è una creatura nuova per me, e mi sento più vicina a quella di Mérimée (quella della novella da cui l’opera è tratta, ndr) che a quella di Bizet: le donne dei miei spettacoli sono scimunite che un contesto di furia, dolore e sottomissione ha rincoglionito. Carmen invece non è una vittima, è una ribelle che trasgredisce ogni regola, che diserta ogni perbenismo: conosce da sempre il suo destino di morte e per sete di libertà, è lei ad andarle incontro”.

Ma gli habitué della Scala sono ben lontani dalla sicilianità della Dante e a fine spettacolo hanno fatto notare il proprio disapponto con tanto di ululati (che ben poco si confanno al contesto del teatro meneghino – di seguito potete vedere il deprecabile accaduto, a partire da minuto 6 e 30 o giù di lì). Critiche giunsero pure da un altro mostro sacro del teatro italiano come Franco Zeffirelli.

La Carmen del 2009 alla Scala, il cast

Copiosi applausi, viceversa, per gli artisti.

Ad impersonare Carmen, con la sua straordinaria voce, il mezzosoprano georgiano Anita Rachvelisvili, che debuttò allora per poi diventare una star dei palcoscenici più prestigiosi. Al suo fianco il tenore tedesco Jonas Kaufmann nei panni di Don José, il basso Erwin Schrott nei panni del torero Esclamillo e il soprano Adriana Damato come Micaela. Tanto la Rachvelisvili quanto Kaufmann furono scelti come la Dante dall’allora direttore artistico.

Per quanto riguarda le scene e l’allestimento se n’è occupato Richard Peduzzi, i costumi sono della stessa Dante e la Regia televisiva (qualora vediate l’opera spesso in onda su Rai 5) è di Lorena Sardi.

(Scritto da Alessia D’Anna il 17 gennaio 2021. Ampliato e ripubblicato il 9 marzo 2023)

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Luca Ronconi è stato un regista teatrale italiano nato a Siena nel 1933 e morto a Roma nel 2015. Di lui si ricorda la bravura nel portare in scena le più grandi ed importanti opere teatrali, e non solo. Di seguito sveliamo qualche piccolo particolare sulla sua vita, la sua carriera e la sua vita privata.

Luca Ronconi, biografia e carriera

Dopo gli studi in Giurisprudenza, Ronconi si è avvicinato al teatro grazie alla frequentazione di ambienti culturali e intellettuali e alla frequentazione dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica di Roma. Ha esordito come regista teatrale nel 1957 con la messa in scena di “Fando e Lis” di Fernando Arrabal.

Nel corso della sua carriera, Ronconi ha diretto numerosi spettacoli teatrali. Si pensi ad esempio ad opere come “L’isola dei morti” di Arnold Böcklin, “La tempesta” di William Shakespeare, “Il giardino dei ciliegi” di Anton Çechov e “I giganti della montagna” di Luigi Pirandello. Ha inoltre diretto opere liriche, tra cui “Le nozze di Figaro” di Wolfgang Amadeus Mozart e “La bohème” di Giacomo Puccini.

Il regista è stato considerato da tutti come un innovatore del teatro italiano. Ha introdotto nuove tecniche di regia e collaborato con artisti di altre discipline, dalla musica alla pittura. Ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per la sua attività, tra cui il Leone d’Oro alla carriera alla Biennale di Venezia nel 2006.

Curiosità

Ronconi era un grande appassionato di Shakespeare, che ha diretto più volte nel corso della sua carriera. Nel 1982 ha portato in scena una monumentale produzione di “Tutte le opere di William Shakespeare in 90 minuti”, che ha riscosso grande successo di pubblico e critica.

Nel 2012, pochi anni prima della morte, ha diretto una nuova produzione de “I giganti della montagna” di Luigi Pirandello, utilizzando la tecnologia digitale per creare effetti visivi innovativi e coinvolgere il pubblico in un’esperienza di teatro totale.

La vita privata

Per quanto riguarda la sua vita privata, Ronconi è stato molto riservato e non si conoscono molte informazioni sulla sua vita familiare o sentimentale. Ha sposato l’attrice e regista teatrale Stefania Rivi, con cui ha collaborato in numerose produzioni teatrali. Insieme hanno avuto una figlia, Caterina Ronconi, che è diventata una sua volta attrice e regista teatrale.

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La donna del lago è un’opera in due atti di Gioachino Rossini, ispirata al poema La donna del lago (The Lady of the Lake) di Walter Scott, pubblicato nel 1810.

La prima rappresentazione de La donna del lago ebbe luogo il 24 ottobre 1819 al teatro San Carlo di Napoli ma l’opera visse poi una parabola quantomeno atipica: dopo decenni di rappresentazioni, l’opera scomparve dai repertori dei teatri nella seconda metà dell’800, per poi tornare in scena soltanto nel 1958 a Firenze presso il Teatro della Pergola.

L’opera fu definitivamente ripristinata soltanto nel 1981 grazie alla scoperta dell’edizione critica (la versione più aderente possibile alla volontà dell’autore originale) e all’avvento del Rossini Opera Festival (festival lirico che dal 1980 si tiene annualmente a Pesaro, città natale di Gioachino Rossini).

La versione in questione (di cui vi proponiamo in coda il video dei due atti tratti da YouTube) è quella del 1992, andata in scena presso il Teatro alla Scala.

La regia è di Werner Herzog (regista classe ’42 di Monaco di Baviera) e la direzione d’orchestra di Riccardo Muti.

La donna del lago, la trama in brevissimo

Protagonista della storia è Elena, la “donna del lago” del titolo, la quale è innamorata di Malcolm. Un giorno all’alba, mentre è sulla sua barca viene osservata dal cavaliere Uberto, nome sotto cui si cela il re di Scozia Giacomo V. Quest’ultimo è giunto da queste parti proprio per vedere Elena, la cui bellezza in fatto di reputazione la precede (ovviamente si tratta di una fama più più meritata). Elena si accorge di essere osservata e per giustificarsi Uberto le racconta un’innocente bugia: ha perduto il cammino mentre era a caccia con i suoi compagni. È così che la fanciulla gli chiede di raggiungerla sulla barca e andare con lei a ristorarsi a casa sua dall’altra parte del lago. Da lì in poi una storia d’amore e di guerra, come tanti prodotti culturali nel corso dei secoli.

Il cast dell’edizione del 1992 alla Scala di Milano

Sul palco Rockwell Blacke veste i panni di Giacomo V, Re Di Scozia, sotto il nome del cavaliere Uberto di Snowdon.  Duglas D’Angus è interpretato da Giorgio Surian. Chris Merritt recita nei panni di Rodrigo di Dhu, il puripremiato soprano statunitense June Anderson è Elena. Orchestra e Coro sono “di casa”, provenendo dal Teatro alla Scala. Regia tv di Ilio Catani.

(Pubblicato il 13 gennaio 2022 da Alessia D’Anna. Ampliato e ripubblicato il 9 marzo 2023)

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Tosca è un’opera lirica in tre atti di Giacomo Puccini, su libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica.

Si tratta forse dell’opera più famosa (se non la più famosa, è sicuramente una delle) del famoso operista nato a Lucca nel 1858, emblema dell’Opera mondiale.

La prima rappresentazione della Tosca (tratta da un dramma storico in cinque atti scritto dal drammaturgo francese Victorien Sardou) si tenne a Roma il 14 gennaio 1900 e da allora è stata replicata migliaia di volte in giro per il mondo.

L’opera viene spesso proposta da Rai 5 (canale Rai sempre attento all’aspetto culturale) in diverse versioni e in questo caso vogliamo parlare della versione andata in scena nel 2000 alla Scala nei mesi primaverili (la prima è di marzo, come testimoniato dalla locandina che vi proponiamo di seguito – “rubata” all’ottimo Wanderer’s Blog (che scrivendo di questa versione della Tosca ha anche riportato alcune recensioni).

Tosca, la trama (estremamente in breve)

Come accennato, l’opera in assoluto è stata proposta in assoluto a teatro per la prima volta nell’anno 1900 al Teatro Costanzi di Roma ed è un dramma che ben rappresenta il concetto di romanticismo in Europa, oltre ad essere la prima opera a suggellare i cambiamenti tetrali avvenuti darente lo secolo scorso.

Siamo a Roma intorno al 1800 (per la precisione è il 17 giugno 1800, qualche giorno dopo la battaglia di Marengo – nella futura Capitale d’Italia riecheggiano gli avvenimenti della Rivoluzione francese).

Cesare Angelotti, bonapartista e console dell’ex Repubblica Romana, si è dato alla macchia e trova rifugio presso la chiesa di Sant’Andrea della Valle. Non è un caso che sia giunto proprio qui: la sorella – la Marchesa Attavanti – gli ha riservato degli abiti femminili con cui travestirsi per passare inosservato.

Da questo avvenimento ha inizio un tourbillon di equivoci, segreti, tradimenti e colpi di scena con gli avvenimenti storici di quel periodo sullo sfondo, che vedranno protagonista assoluta Floria Tosca, fino al drammatico finale.

Tosca, il cast della versione del 2000 alla Scala

Nel cast di questa versione i ruoli principali sono affidati al tenore Leo Nucci (che interpreta il capo della polizia romana, il barone Scarpia), Salvatore Licitra nel ruolo del cavalier Mario Cavaradossi (amante della protagonista),  Giovanni Battista Parodi nel ruolo di Angelotti e – infine – l’ucraina (da Odessa) Maria Guleghina nel ruolo di Floria Tosca (ruolo che fu nella prima versione dell’opera della rumena Hariclea Darclée).

Dirige l’orchestra il maestro Riccardo Muti. La regia televisiva è di Pierre Cavassilas, mentre la regia teatrale è del grande Luca Ronconi. 

Qualora non abbiate la possibilit di vedere  l’opera su Rai 5, vi incorporiamo di seguito l’opera completea tratta da YouTube.

(Post pbublicato il 22 marzo 2022 da Alessia D’Anna. Rivisto, ampliato e ripubblicato l’8 marzo 2023)

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Abbiamo parlato ampiamente dell’opera in quattro atti Aida.

Abbiamo dedicato un post ad hoc per narrarne la trama per esteso e per parlare anche degli adattamenti trasmessi su piccolo e grande schermo.

Abbiamo dedicato un post ad hoc alla versione andata in scena al teatro San Carlo di Napoli nel 1999.

In questo post parleremo, seppur brevemente, della versione del 2011, per la regia di Ferzan Ozpetek, regista turco ma italiano d’adozione.

Aida, curiosità e cast della versione per la regia di Ferzan Özpetek

Questa versione dell’opera teatrale in quattro atti Aida, grande capolavoro di Giuseppe Verdi (forse la più nota delle sue opere), viene spesso proposta su Rai 5 ed è risalente al 2011: fu portata in scena durante la stagione del Festival del Maggio Musicale Fiorentino (giunto alora alla 74esima edizione).

L’opera è andata in scena presso il Teatro Comunale di Firenze per la regia di Ferzan Özpetek (al suo debutto teatrale).

Le scene sono del Premio Oscar Dante Ferretti (per lui Oscar nel 2005 per The Aviator, nel 2008 per Sweeney Todd – Il diabolico barbier di Fleet Steet e nel 2012 per Hugo Cabret).

La direzione musicale è di Zubin Mehta.

Per quanto riguarda il cast, nei panni di Aida c’è il soprano cinese Hui He, nei panni di Radames c’è Marco Berti. Amneris è interpretata da Luciana D’Intino, mentre Amonasro è Ambrogio Maestri. Giacomo Prestia è Ramfis.

A curare la direzione dell’Orchestra è il maestro del Coro del Maggio Musicale Fiorentino Piero Monti. La regia televisiva è affidata a Emanuele Garofalo.

(Post pubblicato il 3 giugno 2021 da Alessia D’Anna. Rivisto e ampliato il 7 febbraio 2023)

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Se ami Giuseppe Verdi non puoi perdere questa versione riproposta su Rai 5 dell’opera Aida (una versione proposta periodicamente, come quella per la regia di Ferzan Ozpetek). 

Qusto allestimento è andato in scena qualche tempo fa (era il 1999) presso il Teatro San Carlo di Napoli. In questa versione dell’Aida di Giuseppe Verdi (opera in quattro atti rappresentata per la prima volta alla vigilia di Natale del 1871 presso il primo teatro dell’opera de Il Cairo, in Egitto) la regia ha visto impegnato Gianfranco De Bosio, mentre la direzione è stata affidata al maestro Daniel Oren. Per quanto concerne le coreografie, sono di Susanna Egri.

Ma andiamo di seguito a vedere più da vicino (seppur molto brevemnte) la trama e il cast dell’opera.

Aida, la trama

Nel clou di una guerra, la figlia del re etiope Aida, viene schiavizzata e condotta in Egitto, dove però nessuno conosce la sua vera identità. È qui che si innamora del comandante delle truppe egiziane Radames il quale ricambia il suo amore. Ma di Ramades è innamorato anche la figlia del Faraone. Non è difficile immaginare, quindi, che sarà quantomeno difficile per Radames e Aida coronare il loro sogno d’amore: c’è anche una guerra in mezzo; il finale drammatico è assicurato. (Se ne volete sapere di più, oltre a suggerirvi di fare ricerche sul web, vi suggeriamo caldamente di leggere questo nostro ampio post dedicato alla storia di Aida – sebbene contenga, inutile dirlo, diversi spoiler).

Aida, il cast della versione in scena al San Carlo di Napoli

In questa versione dell’opera Aida messa in scena presso il teatro San Carlo nel 1999, il cast impegnato sul palco è stato il seguente: la protagonista (Aida, chiaramente) era interpretata da Fiorenza Cedolins.Al suo fianco Walter Fraccaro, Vittorio Vitelli, Dolora Zajick, Giacomo Prestia. Completano il cast Angelo Casertano e Carlo Striuli. La regia è di Gianfranco de Bosio.

(Post scritto il 28 febbraio 2022 da Alessia D’Anna. Rivisto e ampiato il 7 febbraio 2023 dalla redazione)

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Classe ’34, Pier Francesco Pingitore ha una lunga carriera come regista e sceneggiatore, al cinema, in tv e a teatro.

Ma viene ricordato soprattutto per il suo legame con Il Bagaglino, compagnia da lui stesso fondata nel 1965 insieme a Mario Castellacci.

In quel contesto firmò ‘Avanti ragazzi di Buda’, canzone sulla rivoluzione ungherese del 1956 adottata dalle destre italiane ed europee (con una certa nostalgia, si vedano le braccia tese dei tifosi della Lazio mentre intonano il coro in curva).

Ma siamo qui per parlare dell’intervento di Pingitore durante la diretta di ieri de ‘I Lunatici’, durante la quale ha parlato proprio del legame col Bagaglino:

“Il mio nome è legato al Bagaglino? E’ una soddisfazione! E’ una creatura che ho creato assieme ad alcuni amici nel 1965 e che ancora è viva. Non credo ci siano altri esempi così longevi. E poi mi è particolarmente caro perché il Bagaglino è nato tra amici, senza nessuna dipendenza di nessun tipo. Mettemmo quattro soldi ciascuno chiedendo un prestito e da lì cominciammo in piena e totale indipendenza. Un vanto nella mia vita è quello di essere stato sempre indipendente. Ho fatto sempre tutto quello che ho voluto nel bene e nel male. Come reagiva la politica alla nostra satira? Andreotti una sera venne ospite e facemmo quattordici milioni di spettatori. Sono cifre che appartengono ad altre epoche. Lui era un uomo intelligente, capiva che la satira aveva una funzione attinente alla vita politica. La satira non serve per fare le rivoluzione, è una valvola di sfogo perché certe situazioni non raggiungano una condizione di malessere tale che possa poi portarle ad esplodere in altro modo. Nessun politico ci ha mai manifestato rabbia per quello che dicevamo. Si può dire tutto, ma lo si deve fare nel modo giusto. La satira è parte del sistema. Chi dice il contrario forse è in malafede o dice una sciocchezza”.

Quindi, sugli artisti (uomini e donne) che hanno caratterizzato l’epopea del Bagagliano:

“Gli uomini che l’hanno più caratterizzato? Pippo Franco, Oreste Lionello, Leo Gullotta, Martufello. Le donne? Io resto legato a tutte. Da Pamela Prati a Valeria Marini a Matilde Brandi, resto legato a loro, ho sempre rapporti. Sono persone che sono diventate anche amiche”.

E su eventuali accuse di sessismo, Pingitore si difende – per poi mostrare la sua visione apocalittica sui mala tempora:

“Se oggi qualcuno mi accuserebbe di sessismo per la presenza della donna nel bagaglino? E che me ne frega a me! Oggi ti accusano di tutto. Buttano giù le statue di Cristoforo Colombo, figuriamoci se non possono accusare me di sessismo o di altro. Si sta instaurando il regno dell’ignoranza, la gente non sa nulla, questi poveri ragazzini che vanno imbrattando e rovesciando statue neanche sanno quello che fanno. Agiscono per sentito dire, per superficiali anatemi che vengono gettati senza capire che ogni epoca ha le sue regole. Siamo in un’era che si avvia verso la barbarie”.

Infine, sempre sul momento che stiamo vivendo:

“Come sta l’italiano medio? Lo vedo sconcertato. Non c’è più nessuna certezza. Né di vita, né nella religione, né nella politica. Credo che questa lunga ‘vacanza’ abbia fatto piuttosto male, non bene. Prima che ci si riprenda passerà tanto tempo. La gente deve riacquistare fiducia. Che l’italiano sia sconcertato lo si vede anche dalle elezioni. La metà delle persone non è andata a votare. Questo qualcosa vuol dire. Gli ultimi due anni sono stati contrassegnati prima dal lockdown, poi da questo fatto dei vaccini. Non dimentico le file ai supermercati, le autocertificazioni. Io non ho provato tanto malessere, vivo molto dentro casa. Anche se il senso di non poter uscire, andare al cinema o al bar, pesa. Anche se poi uno non ci va, l’idea di non poterlo fare è pesante. Ho occupato il tempo scrivendo il mio ultimo libro, ‘Confessioni spudorate’. Mi sono divertito nello scriverlo, è un libro non comico, né triste. Il divertimento consiste nel fare qualcosa che piace, che diverte, che toglie dalla preoccupazione e dalla noia”.

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Game of Thrones è stato spesso chiamato in causa per i suoi livelli quasi shakespeariani di intrigo e dramma teatrale. Quindi non è esattamente una sorpresa che la prossima mossa per il franchise sia il debutto sul palcoscenico: un nuovo spettacolo di Broadway basato sulla popolare serie fantasy di George R.R. Martin è ora in lavorazione, secondo un nuovo rapporto di The Hollywood Reporter.

L’obiettivo è di mettere in scena lo spettacolo di Game of Thrones a partire dal 2023, in luoghi già stabiliti come New York City, nel West End di Londra e in Australia. Dominic Cooke sarà alla regia, con Simon Painter e Tim Lawson che vestiranno invece i ruoli di produttori.

Si dice che lo spettacolo sia un prequel ambientato durante il Grande Torneo di Harrenhal, 16 anni prima degli eventi descritti nella serie di libri di Martin “A Song of Ice and Fire” (e Game of Thrones, l’adattamento della serie TV di successo della HBO). I fan riconosceranno quel torneo come l’inizio degli eventi cruciali nel periodo che precede i libri e lo show, che porteranno alla fine alla ribellione di Robert Baratheon e al rovesciamento della dinastia Targaryen.

E sebbene la HBO non sia coinvolta nella produzione (almeno per ora), l’opera ancora senza nome darebbe ai fan la possibilità di rivisitare personaggi popolari come Ned Stark, Jaime Lannister, Robert Baratheon, Oberyn Martell, Barristan Selmy, Arthur Dayne e il principe Rhaegar Targaryen.

“I semi della guerra sono spesso piantati in tempi di pace“, ha detto Martin in una dichiarazione a THR. “Pochi a Westeros sapevano della carneficina che sarebbe avvenuta quando i nobili e i piccoli abitanti si riunirono ad Harrenhal per vedere i migliori cavalieri del regno sfidarsi in un grande torneo, durante l’Anno della Falsa Primavera. È un torneo di cui si parla spesso durante Game of Thrones della HBO, e nei miei romanzi, A Song of Ice and Fire… e ora, finalmente, possiamo raccontare l’intera storia… sul palco”.

Martin è coinvolto nella produzione e sta lavorando con il drammaturgo Duncan Macmillan sulla storia. Questo aggiunge un altro elemento alla sua infinità di progetti in corso, tra cui il servizio come produttore esecutivo su House of the Dragon e almeno altri due show televisivi e il suo nuovo accordo a cinque cifre con HBO per sviluppare nuovi spettacoli e film per HBO Max. Inoltre, la HBO sta già lavorando ad almeno altri cinque spinoff di Game of Thrones, che presumibilmente vedranno il coinvolgimento di Martin in qualche modo. E naturalmente, c’è il suo lavoro sui tanto attesi libri finali della sua serie A Song of Ice and Fire – The Winds of Winter e A Dream of Spring – a cui Martin sta lavorando da quasi un decennio.

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E’ morto ieri a Roma il famoso regista Ugo Tessitore, anche lui portato via dal Covid-19 all’età di 82 anni.

Nato nel 1938 a Roma, Tessitore studiò musica all’Università della California a Berkeley.

Collaboratore e assistente alla regia di Luca Ronconi dal 1970, oltre che curatore di riprese per il celebre regista, Tessitore intraprese anche molte altre collaborazioni, come ad esempio quelle con Pier Luigi Pizzi, Francesca Zambello, Sandro Sequi e altri ancora.

Divenne anche docente, arrivando ad insegnare tecniche di regia lirica al corso di specializzazione “Il teatro e la musica” di Prato.

Tra le tante attività artistiche che hanno reso celebre Ugo Tessitore si ricordano anche una serie di traduzioni letterarie, tra cui Vladimir Nabokov (Lolita: sceneggiatura, Bompiani 1997), L’occhio (Adelphi 1998) e La difesa di Luzin (Adelphi 2001) assieme a Gianroberto Scarcia.

Altro aspetto molto importante nella carriera artistica di Ugo Tessitore è certamente il rapporto con il Rossini Opera Festival di Pesaro. Tessitore, dal 1981 al 2014, collaborò alla produzione di una serie di allestimenti, tra cui Tancredi, Armida e La Cenerentola, ma anche La donna del lago e il Viaggio a Reims.

Proprio di quest’ultima opera il famoso regista avrebbe dovuto curare la ripresa al Teatro della Scala, prevista per lo scorso mese di settembre.

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Alla scoperta di Aida, l’opera più famosa di Giuseppe Verdi

Aida è probabilmente una delle opere più conosciute e amate del Maestro Giuseppe Verdi.

Ambientata nell’antico Egitto racconta la storia travagliata e piena di passione della giovane principessa etiope Aida, prigioniera degli Egizi, e del condottiero Radames.

L’opera fu realizzata da Verdi in occasione dell’apertura del Canale di Suez nel 1860. Il viceré Isma’il Pascià commissionò a Verdi un’opera che avesse tutta la magnificenza della tragedia e celebrasse la grande storia dell’Antico Egitto.

Aida di Giuseppe Verdi: la storia

Aida, la figlia del re Etiope Amonastro, vive in Egitto dove viene trattata come una schiava dopo essere stata catturata da una spedizione militare. Gli egizi ignorano la vera identità della ragazza ma suo padre sta segretamente progettando un’incursione in terra nemica per liberarla.

Aida è unita da un amore impossibile al guerriero egizio Radames, che la ricambia. Tuttavia fra di loro si frappone la principessa Amneris, figlia del Faraone e a sua volta innamorata di Radames.

Proprio il padre di Amneris incarica Radames di andare a combattere contro le truppe di Amonastro. Amneris, intuendo che fra la sua serva e il giovane soldato ci sia qualcosa di più di amicizia, spinge Aida a tradirsi e poi la costringe a guardare mentre l’esercito di suo padre, in catene, viene condotto in Egitto.

La protagonista può così ricongiungersi ad Amonastro, che ha finto la sua morte sul campo di battaglia. Su richiesta di Radàmes, il Faraone concede la libertà al loro popolo. Tuttavia, dietro consiglio del visir Ramfis, trattiene Amonastro e sua figlia come ostaggi. Radames è costretto a prendere in moglie Amneris, nonostante non la ami.

Amonastro, assetato di vendetta, spinge Radames a rivelare ad Aida dove si trova nascosto l’esercito egiziano. Il giovane guerriero, sconvolto, ammette pubblicamente il suo tradimento e si consegna alle guardie del Faraone.

Amneris implora invano Radames di invocare pietà, ma lui accetta con stoicisimo la sua condanna; il Faraone ordina di seppellirlo vivo nelle catacombe. Una volta solo, il guerriero scopre con stupore che Aida lo ha seguito di nascosto; la fanciulla preferisce morire insieme con il suo amato che vivere sapendolo morto. La terra inghiotte i due amanti, con disperazione e scorno di Amneris, che è rimasta sola.

Aida, curiosità sull’opera

Dalla data della prima rappresentazione, nel 1871, l’Aida ha conosciuto un successo senza fine. In teatro una rappresentazione particolarmente celebre è quella di Franco Zeffirelli, che la diresse nel 2010 all’Arena di Verona.

Verdi curò molto l’aspetto storico di questa sua opera. I costumi e le ambientazioni si ispirano ai bassorilievi originali dell’Antico Egitto. Anche nell’orchestra il Maestro ricreò degli strumenti simili a lunghe trombe, in uso nell’Egitto dei Faraoni. Il risultato è un suono trionfale, solenne, che trasporta lo spettatore indietro nei secoli restituendo tutta la grandezza dell’epoca Faraonica.

In realtà Giuseppe Verdi aveva realizzato anche un’overture per l’Aida che avrebbe dovuto accompagnare la prima messa in scena italiana alla Scala di Milano. Al momento della rappresentazione, però, il Maestro decise che il preludio originale non avesse bisogno di altri preamboli.

Verdi scrisse il ruolo di Aida appositamente per la cantante Teresa Stolz. Molti erano convinti che fra la celebre soprano e il Maestro esistesse una relazione clandestina.

Nel 1953 Clemente Fracassi diresse un adattamento cinematografico dell’opera, con Sophia Loren nei panni di Aida. Nel 2001 è invece la volta di “Aida degli alberi”, per la regia di Guido Manuli. In questa particolare versione animata, l’ambientazione si svolge in un mondo fantasy. Aida è una scimmia azzurra e Radames un gatto antropomorfo. Le musiche sono di Ennio Morricone.

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