Quentin Tarantino non gira intorno alle parole. Quando parla di cinema (e non solo, in realtà), lo fa da spettatore prima ancora che da regista e il giudizio è spesso netto (gli spettatori sono così, tranchant; gli addetti ai lavori molto più diplomatici). Nell’ultimo episodio del podcast Video Archive, il regista americano ha tracciato una linea molto chiara su alcune epoche di Hollywood, indicando senza esitazioni quelle che considera le meno riuscite.

Due decenni, in particolare, finiscono nel mirino: gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta. Un’affermazione che sorprende fino a un certo punto, ma che diventa più interessante quando Tarantino la inserisce in un discorso più ampio, che coinvolge anche il cinema contemporaneo.

“Gli anni ’80? Tra i peggiori, insieme ai ’50”

“Anche se gli anni Ottanta sono stati il periodo della mia vita in cui probabilmente ho visto più film al cinema, credo che il cinema di quel decennio, insieme a quello degli anni Cinquanta, sia il peggiore nella storia di Hollywood”, ha spiegato Tarantino – senza alcuna voglia di dare sconti al periodo per un eventuale effetto nostalgia (sono tanti quelli che ripensano agli anni ’80 con una discreta nostalgia).

Il regista riconosce apertamente il legame personale con gli anni ’80, ma separa l’esperienza dello spettatore dall’analisi critica e dimostra si può amare un’epoca e allo stesso tempo considerarla debole dal punto di vista creativo / dal punto di vista dell’output.

Il paragone con gli anni ’50 rafforza il concetto e mostra come due periodi molto diversi tra loro possano essere accomunati – secondo Tarantino – da una produzione meno incisiva rispetto ad altre fasi storiche del cinema americano.

Dopo questa premessa, la stoccata più pesante, quella che sposta il discorso dal passato al presente: “Solo l’epoca attuale è allo stesso livello”. Una frase che non lascia molto spazio all’interpretazione (e che può essere, questa sì, considerata una frecciata da addetto ai lavori).

Il cinema di oggi sotto accusa (ma con qualche eccezione)

Il giudizio sul cinema contemporaneo è in linea con altre uscite pubbliche di Tarantino negli ultimi anni. Hollywood, nella sua forma attuale, gli appare meno coraggiosa, più standardizzata, spesso legata a logiche produttive che comprimono la libertà creativa (si punta ai numeri, come in tutto, non all’arte).

D’altronde, il regista evita di trasformare la critica in un attacco generalizzato. Lo dice esplicitamente: tende a non parlare troppo dei film recenti proprio per non essere costretto a stroncare o a elogiare per convenienza. Ma quando qualcosa lo colpisce davvero, non ha problemi a dirlo.

È il caso di Top Gun: Maverick, che Tarantino definisce senza mezzi termini “fantastico”. Un’eccezione significativa, perché dimostra che anche all’interno di un sistema che non lo convince pienamente, riescono comunque a emergere opere capaci di lasciare il segno (e colpisce particolarmente il fatto che si tratti di un film pienamente mainstream – c’entrerà qualcosa con il suo recente sionismo?).

Tra passato e futuro: il ritorno di “Kill Bill” e un addio sempre più vicino

Nel frattempo, mentre Tarantino continua a riflettere sullo stato del cinema, uno dei suoi titoli più iconici torna a far parlare di sé. Kill Bill: The Whole Bloody Affair, versione estesa e rielaborata dei due film originali, è riapparsa nelle sale in una forma che rappresenta ancora di più la visione del regista: oltre quattro ore di racconto, con materiale inedito.

Un ritorno che ha anche il sapore della sintesi. Tarantino ha più volte ribadito l’intenzione di fermarsi a dieci film, e il prossimo potrebbe essere davvero l’ultimo. In questo senso, ogni sua dichiarazione sul cinema – passato o presente – suona anche come un bilancio personale e come una presa di posizione definitiva sulla settima arte.

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Il caso esploso durante l’ultima puntata di Domenica In non dal niente. La lite in diretta con Mara Venier – culminata con quel “sei un pirla” pronunciato davanti alle telecamere – è solo l’ultimo episodio di una lunga sequenza di tensioni televisive che hanno accompagnato la carriera di Teo Mammucari.

Il conduttore romano, da sempre costruito televisivamente come personaggio irriverente e imprevedibile, negli anni è stato protagonista di diversi momenti sopra le righe. Alcuni diventati virali, altri rimasti più circoscritti agli addetti ai lavori, ma tutti contribuiscono a disegnare un profilo preciso: quello di un volto televisivo capace di accendere lo studio tanto quanto il pubblico.

L’episodio con Mara Venier, al di là delle ricostruzioni di backstage circolate nelle ore successive alla trasmissione, si inserisce quindi in un copione già visto. Non è la prima volta che Mammucari finisce al centro di un momento di tensione in diretta.

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Le tensioni con Mara Venier e gli scontri più discussi

Il confronto tra Mammucari e Mara Venier non nasce certo domenica. Uno dei precedenti più noti risale a Tu si que vales, quando i due si trovarono insieme nello stesso programma, lui come giudice e lei nel ruolo di “giudice popolare”.

Durante una puntata, una battuta di Mammucari – seguita da uno scherzo sulla canzone Mara non c’è – fece scattare la reazione della conduttrice. Venier, visibilmente irritata, lasciò lo studio in diretta e lo mandò apertamente a quel paese. Un momento che fece parecchio rumore e che per qualche giorno monopolizzò il dibattito sui social e nei programmi di commento televisivo.

Quello scambio, col senno di poi, appare quasi come un precedente simbolico di ciò che si è rivisto a Domenica In. Anche in quel caso il nodo era lo stesso: il confine tra ironia televisiva e rispetto dei tempi emotivi di una trasmissione.

Il tema torna spesso quando si parla di Mammucari. Il suo stile, fatto di battute improvvise (a volte anche pesanti – ricordiamo che quello era il suo punto di forza soprattutto agli esordi) e incursioni fuori copione, può funzionare molto bene in alcuni contesti. In altri rischia di creare frizioni, soprattutto quando entra in collisione con momenti più istituzionali o personali del programma.

Da Belve a Ballando: le altre polemiche televisive

Uno degli episodi più discussi degli ultimi anni resta l’intervista a Belve. Durante il confronto con Francesca Fagnani, Mammucari mostrò crescente irritazione davanti ad alcune domande della conduttrice.

La tensione salì progressivamente fino alla decisione di lasciare lo studio in anticipo. Con il microfono ancora aperto si sentì un chiaro “vaffa”, episodio che fece immediatamente il giro dei social e dei siti di informazione televisiva. Lo stesso Mammucari, nel momento di uscire, dichiarò che per lui sarebbe stata “l’ultima volta”.

Non è stato l’unico contesto televisivo segnato da attriti. A Ballando con le stelle il conduttore è stato spesso protagonista di diverbi con la giuria e in particolare con Selvaggia Lucarelli, tra commenti pungenti e repliche altrettanto dirette. Anche lì il tono acceso faceva parte dello spettacolo, ma più di una volta ha superato la semplice dinamica televisiva trasformandosi in polemica.

Nel corso della carriera non sono mancati momenti simili anche all’interno dei programmi da lui condotti o frequentati come ospite. In passato ci sono stati battibecchi con colleghi e ospiti – tra cui Belen Rodríguez – nati spesso da battute percepite come troppo taglienti.

Esistono poi anche episodi rimasti fuori dalle telecamere, come le tensioni raccontate negli anni attorno alla sua esperienza a Le Iene, dove diverse ricostruzioni parlarono di attriti con Davide Parenti. Versioni mai completamente chiarite ma che hanno alimentato la percezione di un rapporto complicato con alcuni contesti televisivi.

Il quadro complessivo è quello di un personaggio che vive la televisione senza filtri. Per alcuni è la sua forza, per altri il limite. In ogni caso, ogni volta che Mammucari entra in studio c’è una certezza: difficilmente passerà inosservato.

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Per lei sarà la terza presenza sul palco dell’Eurovision come interprete, dopo le partecipazioni del 2011 e del 2021. In mezzo c’è anche una curiosità: nel 2020 era stata già selezionata per la gara con la canzone Freaky!, ma quell’edizione fu cancellata (ricordiamo ahinoi) a causa della pandemia.

La vittoria nel contest sammarinese – arrivata grazie al voto della giuria nella finale del Teatro Nuovo di Dogana – segna quindi una sorta di ritorno a casa: non solo perché Senhit è ormai una veterana della manifestazione, ma perché la sua carriera negli ultimi anni si è intrecciata in modo sempre più stretto con il mondo eurovisivo.

Un percorso tra musical, pop internazionale e identità culturale: la storia di Senhit

Classe 1979, Senhit Zadik Zadik è cresciuta tra Bologna ed Eritrea, un doppio orizzonte culturale che ha segnato fin dall’inizio la sua identità artistica. Lei stessa racconta spesso (anche nel suo stilosissimo sito, da cui abbiamo preso una buona parte delle info che potete leggere in questo post) come quell’infanzia divisa tra luoghi e storie diverse abbia contribuito a costruire un’immagine creativa difficilmente incasellabile.

Prima di affermarsi come cantante pop, il suo percorso passa dal teatro musicale internazionale. Negli anni Duemila è protagonista in produzioni importanti come Il Re Leone della Disney in Germania, Hair in Svizzera e lo spettacolo Il grande campione di Massimo Ranieri. È lì che impara a dominare il palcoscenico e a costruire una presenza scenica molto riconoscibile.

Parallelamente prende forma anche la carriera discografica. Il primo album arriva a metà anni Duemila con la produzione artistica di Gaetano Curreri e Saverio Grandi, nomi storici della musica italiana. Nel tempo la sua discografia si arricchisce di singoli e progetti sempre più orientati verso il pop internazionale.

Senhit e il legame con l’Eurovision

Il primo capitolo eurovisivo si apre nel 2011, quando San Marino la sceglie per rappresentare il Paese a Düsseldorf con il brano Stand By. Non riesce ad accedere alla finale, ma quella partecipazione segna l’inizio di un rapporto destinato a continuare.

La seconda esperienza arriva nel 2021 con Adrenalina, una performance che vede anche la partecipazione del rapper statunitense Flo Rida. In quell’occasione San Marino raggiunge la finale, piazzandosi poi al 22º posto (nonostante il risultato, i fan continuano a ricordare la canzone con affetto e il featuring è diventato quasi memistico, anche a giudicare da alcuni commenti presenti sul web: “imagine waking up from a 1 year coma to see everyone wearing masks & San Marino sending Flo Rida to Eurovision”).

Negli anni successivi Senhit rimane molto legata all’ambiente eurovisivo: nel 2025 torna infatti alla manifestazione come spokesperson e ambasciatrice per San Marino, ruolo che consolida ulteriormente il suo profilo internazionale.

E adesso il legame con Eurovision è destinato a consolidarsi ulteriormente grazie a Superstar, il brano con cui Senhit ha conquistato il San Marino Song Contest 2026. La canzone vede la collaborazione di Boy George, che figura come coautore e produttore e partecipa anche con un cameo vocale (dopo Flo Rida, con Senhit solo grandi nomi).

La finale, condotta da Simona Ventura, ha visto in gara 21 artisti provenienti da 14 Paesi diversi. La giuria – presieduta da Federica Gentile – ha premiato Senhit, consegnandole il pass per rappresentare nuovamente San Marino alla competizione europea in programma a Vienna nel maggio 2026.

Senhit, un’artista che va oltre la musica

Negli ultimi anni Senhit ha progressivamente ampliato il suo ruolo nel mondo creativo. Non si presenta più soltanto come cantante, ma anche come producer, direttrice creativa e ambasciatrice culturale, costruendo progetti che uniscono musica, immagine e storytelling.

È un approccio che riflette bene il suo percorso: una carriera costruita tra musical, pop internazionale e identità multiculturale, in cui ogni nuova apparizione – Eurovision compreso – diventa una piattaforma per raccontare qualcosa di più ampio della semplice canzone.

Gustosa curiosità finale, a testimonianza del background variegato di Senhit (che nei primi album si firmava senza h): secondo quanto leggibile online, sebbene non ci siano prove al di là di qualche articolo in merito, avrebbe un passato anche da calciatrice di discreto livello (e anche per questa ragione nell’ormai lontano 2004 la Panini ha prodotto il suo singolo ‘La cosa giusta’ e in seguito distribuito in edicola il suo primo album Senit).

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L’attore statunitense è candidato all’Oscar come miglior attore protagonista grazie alla sua interpretazione in Marty Supreme. Ma anche se la statuetta dovesse sfuggirgli, il suo percorso agli Academy Awards ha già prodotto un risultato notevole, eguagliando un primato sin qui appartenuto a un mostro sacro del cinema mondiale.

Tre nomination prima dei 31 anni: un traguardo rarissimo

Con la candidatura del 2026, Timothée Chalamet ha raggiunto la sua terza nomination all’Oscar come miglior attore. Un dato che, preso isolatamente, potrebbe sembrare semplicemente il segno di una carriera in grande ascesa ma guardato da vicino racconta qualcosa di più, perché lo mette sullo stesso piano di un erto Marlon Brando.

Chalamet ha ottenuto queste tre candidature in un arco di tempo relativamente breve e soprattutto in età molto giovane. Le prime due sono arrivate con Chiamami col tuo nome nel 2018 e con Un completo sconosciuto nel 2025; la terza, appunto, con Marty Supreme nel 2026.

Il dettaglio che rende questa sequenza davvero significativa è l’età: l’attore ha raggiunto le tre nomination a soli 30 anni. Un traguardo che nella storia degli Oscar era stato centrato finora da una sola leggenda del cinema.

Timothée Chalamet e il precedente di Marlon Brando

L’unico attore ad aver accumulato tre candidature come miglior attore in un’età così precoce era stato Marlon Brando, uno dei nomi più influenti della storia del cinema.

Brando aveva ottenuto le sue prime tre nomination grazie a tre film diventati ormai classici: Un tram che si chiama desiderio (1952), Viva Zapata! (1953) e Giulio Cesare (1954). Quando raggiunse questo traguardo aveva 29 anni e 10 mesi, quindi ancora qualche settimana prima di compiere 30 anni.

Chalamet ci è arrivato leggermente più tardi: 30 anni e 26 giorni. Una differenza minima, che lo lascia comunque vicinissimo a uno dei record più particolari della storia degli Academy Awards.

Il paragone con Marlon Brando, naturalmente, riguarda per ora soltanto questo dato statistico. Il palmarès dell’attore americano resta infatti molto distante: Brando ha ottenuto in totale sette nomination agli Oscar e ha conquistato due statuette come miglior attore.

La prima arrivò nel 1955 con La legge del silenzio, mentre la seconda sarebbe diventata una delle più celebri della storia degli Oscar grazie a Il padrino. A queste si aggiungono altre candidature importanti, tra cui quelle per Sayonara e Ultimo tango a Parigi, a testimonianza di una carriera lunga e decisiva per l’evoluzione della recitazione cinematografica.

Per Timothée Chalamet il cammino per raggiungere la grandezza di Brando è ancora lungo, ma il fatto di condividere con lui questo record mostra come l’attore classe ’95 sia uno dei più grandi della sua generazione.

Se poi la notte del 15 marzo dovesse arrivare anche la prima statuetta, la storia prenderebbe una piega ancora più interessante: Chamelet di fatto riuscirebbe ad anticipare Marlon Brando nella conquista del premio più ambito da ogni attore (Marlo Brando vinse infatti il suo primo Oscar al quarto tentativo).

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Il sesso negli occhi è un libro che non si limita a raccontare. Ti guarda. E, nel farlo, ti costringe a guardare a tua volta. Arianne Guion costruisce un’indagine dura, volutamente disturbante, su una forma di abuso che non lascia lividi visibili ma incide in profondità: lo stupro visivo. Una violenza senza contatto, normalizzata, quotidiana, spesso archiviata come “esagerazione” o “ipersensibilità”, e proprio per questo più difficile da nominare.

Il libro è strutturato in dieci capitoli che l’autrice definisce senza ambiguità “penetrazioni”. Una scelta lessicale forte, che non cerca scorciatoie né attenuanti. Ogni capitolo attraversa un territorio diverso – letteratura, cinema, cronaca, filosofia – per ricostruire lo sguardo maschile come dispositivo di potere. Non sempre consapevole, non sempre intenzionale, ma costantemente operante. Lo sguardo che misura, valuta, consuma. Lo sguardo che precede e prepara altre forme di violenza.

La scrittura di Arianne Guion è ibrida per natura. Saggio e racconto si intrecciano, così come l’analisi teorica convive con frammenti narrativi, testimonianze vere o verosimili, passaggi quasi confessionali. È una scrittura che non finge neutralità, perché la neutralità – sembra dirci – è spesso una maschera del potere. Nel percorso emergono riferimenti a opere e autori che hanno interrogato, da angolazioni diverse, il desiderio e il controllo: Eyes Wide Shut, American Beauty, la letteratura di Georges Bataille e Ian McEwan. Sullo sfondo, ma mai in modo ornamentale, il pensiero di Baruch Spinoza e le riflessioni contemporanee di Camille Paglia e Rebecca Solnit.

Eppure, il centro del libro non è l’elenco delle fonti, né l’esibizione culturale. Al centro ci sono i corpi osservati. Le donne, esposte a uno sguardo costante che le precede e le definisce. E gli uomini, che oscillano tra il ruolo di carnefici inconsapevoli e quello di narratori di una violenza codificata come norma sociale. Guion non assolve, ma nemmeno semplifica. Mostra come lo sguardo sia un’educazione silenziosa, una grammatica appresa prima ancora delle parole.

Il sesso negli occhi è un libro che disturba perché toglie al lettore una posizione comoda. Non permette di restare fuori dalla scena. Chiede di interrogarsi su dove finisce l’osservazione e dove inizia l’invasione. Su quante volte, senza accorgercene, abbiamo partecipato a quella violenza invisibile che preferiamo non nominare. È un’opera che non offre soluzioni facili, ma apre domande necessarie. E, oggi più che mai, urgenti.

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Il 21 maggio 1925 il professor Hidesaburo Ueno muore all’improvviso, stroncato da un aneurisma cerebrale. Non torna a casa, non scende dal treno nel tardo pomeriggio come sempre. Hachiko lo aspetta comunque. Lo fa quel giorno, il giorno dopo e poi ancora. Non perché “capisca” la morte, ma perché non ha modo di accettarla. Per quasi dieci anni quel cane si presenta alla stazione di Shibuya con la stessa puntualità con cui, prima, accompagnava il padrone al lavoro. È una fedeltà che non ha nulla di eroico: è un’abitudine che diventa destino, che diventa il simulacro di un abbandono.

Nel frattempo la vita intorno va avanti, spesso con indifferenza. Hachiko viene trattato come un randagio, scacciato, colpito, catturato dagli accalappiacani. Passa attraverso malattie, fame, solitudine. La sua figura diventa nota solo quando qualcuno inizia a essere raccontata dai giornali, come sempre alla ricerca di sensazione o di vicende strappalacrime. Prima di allora, è semplicemente un cane che aspetta qualcuno che non tornerà.

La fine è coerente con tutto il resto. All’inizio di marzo del 1935 Hachiko si ammala gravemente. Smette di mangiare, il suo corpo si gonfia per l’ascite, vomita. Muore l’8 marzo, a undici anni, per filariasi. Viene trovato all’alba, con la testa rivolta verso est, in direzione del cimitero dove è sepolto Ueno. Non c’è redenzione, non c’è ricongiungimento visibile. Solo una coerenza estrema fino all’ultimo respiro.

Film, libri, razza e nome: cosa resta oggi di Hachiko

Negli anni, questa storia è stata trasformata in racconto collettivo. Il cinema l’ha resa più morbida, la letteratura l’ha adattata anche ai bambini, ma il nucleo resta sempre lo stesso. Nel 1987 il Giappone racconta Hachiko con Hachiko Monogatari, mentre nel 2009 arriva il remake occidentale, Hachiko – Il tuo migliore amico, che sposta l’ambientazione ma non il senso profondo della perdita. Sono opere che hanno contribuito a fissare l’immagine del “cane fedele”, spesso attenuando la durezza della sua vita reale.

Hachiko era un Akita Inu, razza giapponese di grandi dimensioni, oggi molto ricercata e costosa: in Europa un cucciolo con pedigree può superare facilmente i 2.000–3.000 euro, a seconda della linea di sangue e dell’allevamento. Un dettaglio che stride con l’esistenza concreta di Hachiko, vissuta in strada, tra stenti e rifiuti.

Anche il nome, spesso trattato come simbolico, è più semplice di quanto si creda. “Hachi” significa “otto”, numero considerato di buon auspicio in Giappone. Il suffisso “ko” è un vezzeggiativo, una forma di rispetto affettuoso. Non c’è certezza assoluta sul perché Ueno abbia scelto proprio quel nome, ma l’ipotesi più accreditata è che seguisse una logica numerica già usata per altri cani allevati in precedenza (e a maggior ragione, quindi, questo cane era poco più di un numero).

Oggi restano una statua, una cerimonia annuale, un’uscita della stazione che porta il suo nome. Ma soprattutto resta una storia che, se raccontata senza filtri, parla meno di fedeltà e più di solitudine.

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Secondo quanto affermato da Corona, Signorini avrebbe intrattenuto nel corso degli anni presunti flirt e rapporti intimi con diversi uomini, alcuni dei quali sarebbero poi diventati concorrenti del reality show di Canale 5 da lui presentato. “Se non andavi a letto con lui, non andavi in televisione”, ha sostenuto Corona nel video, parlando dell’esistenza di quello che definisce un “sistema” legato all’accesso al mondo dello spettacolo.

Corona ha descritto Signorini come una figura molto potente, definendolo “l’unico vero trampolino” per entrare in determinati contesti televisivi, oltre che una persona economicamente influente. Nel corso della puntata viene inoltre mostrata la testimonianza di una persona rimasta anonima, che racconta di aver ricevuto presunte richieste sessuali e fotografie intime attribuite al conduttore. Anche in questo caso, si tratta di dichiarazioni non verificate e presentate esclusivamente nel contesto del format.

Il caso zero Antonio Medugno

Una parte centrale del racconto riguarda quello che Corona definisce il “caso zero” del presunto sistema, che coinvolgerebbe Antonio Medugno, entrato nel cast del Grande Fratello Vip nel gennaio 2022. Secondo quanto mostrato nel filmato, Corona avrebbe raccolto una testimonianza telefonica attribuita allo stesso Medugno, insieme a presunti messaggi scambiati con Signorini nei mesi precedenti alla sua partecipazione al reality.

Medugno, sempre secondo la ricostruzione riportata da Fanpage, ha raccontato di una frequentazione fatta di messaggi affettuosi e numerose videochiamate, precisando che non ci sarebbe mai stata una relazione sentimentale vera e propria. Le conversazioni sarebbero durate circa quattro o cinque mesi e includerebbero complimenti, frasi di apprezzamento e la promessa di doni costosi. Tra i messaggi mostrati nel video figurerebbe anche l’invito a mantenere separata la sfera professionale da quella privata, con una frase attribuita a Signorini: “Il mio lavoro e noi due percorreranno due strade diverse. Io non ho niente da perderci, tu sì”.

Secondo la versione proposta da Corona, Medugno si sarebbe poi recato a casa di Signorini, ma avrebbe rifiutato di avere rapporti sessuali. Questo rifiuto, sempre stando al racconto dell’ex paparazzo, avrebbe inizialmente impedito al giovane di entrare nel cast del Grande Fratello Vip. Solo dopo una ripresa dei contatti, Medugno sarebbe stato selezionato come concorrente.

“Riparte il flirt, arrivano incontri e di colpo è un nuovo concorrente del GF. Questo è il sistema”, ha affermato Corona nel video, ribadendo la sua tesi.

Al momento non risultano repliche ufficiali né commenti pubblici da parte di Alfonso Signorini in merito alle accuse. Le dichiarazioni restano quindi racconti unilaterali, non supportati da riscontri giudiziari, ma che stanno alimentando un ampio dibattito mediatico e pubblico.

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Veronica e Lorenzo Musetti si sono conosciuti intorno al 2020, grazie alla sorella di Veronica, Valentina, che è sposata con il tennista Gianluca Mager. Da quell’incontro, la coppia ha iniziato a frequentarsi per poi diventare inseparabile. La loro relazione è stata resa pubblica sui social a dicembre 2022, diventando molto seguito dai fan del tennis e del pubblico televisivo. La coppia ha accolto il primo figlio, Ludovico, nel marzo 2024, mentre nel maggio 2025 hanno annunciato la seconda gravidanza, suscitando entusiasmo tra i follower e confermando il loro desiderio di costruire una famiglia unita e solida. Veronica accompagna spesso Lorenzo nei tornei internazionali, diventando non solo una presenza affettiva costante, ma anche un supporto pratico e organizzativo, dimostrando equilibrio tra vita privata e contesto professionale.

Nonostante la giovane età, Veronica ha mostrato maturità e determinazione nel gestire l’attenzione mediatica legata alla relazione con un atleta di alto livello. In alcune interviste ha raccontato le critiche ricevute e come queste l’abbiano portata a definire chiaramente i propri valori. Ha dichiarato: «Parliamo di tutto, sempre… Lui è un ragazzo d’altri tempi: ama tornare a casa, stare in famiglia». La sua capacità di conciliare lavoro, maternità e vita privata emerge come tratto distintivo, sottolineando una professionalità che va oltre il ruolo di compagna di Musetti.

Veronica Confalonieri rappresenta quindi molto più di una semplice partner di un atleta: è una giovane professionista, madre e figura pubblica riservata ma partecipativa, capace di mantenere la propria identità pur supportando un campione internazionale. La sua storia dimostra che il lavoro e l’affetto possono coesistere armoniosamente, anche sotto i riflettori del mondo sportivo, offrendo un esempio di equilibrio e determinazione ai più giovani.

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Elda Alvigini, volto noto di cinema, teatro e televisione, fa il suo ingresso nel mondo della narrativa con “Inutilmentefiga”, romanzo di esordio che fonde auto-finzione, ironia e riflessione intima. Il titolo, che è una parola unica e inviolabile, descrive una condizione dell’essere, una weltanschauung che ha a che fare con un sentire profondo: il sapere qual è la cosa giusta da fare e scegliere, inevitabilmente, quella sbagliata, senza mai perdere il sorriso e la spinta a sognare, nonostante i fallimenti.

Dopo il successo dello spettacolo teatrale (campione di incassi al Piccolo Eliseo di Roma nel 2013) l’attrice / autrice ha colto la sfida di trasformare “Inutilmentefiga” in un’opera narrativa completamente nuova, libera dai vincoli della scena. Attraverso un sapiente gioco tra episodi autobiografici e invenzione romanzesca, Alvigini dà vita a una protagonista che porta il suo stesso nome, ma che diventa un personaggio letterario a tutti gli effetti. Ne emerge il ritratto di una donna coraggiosa e libera, che rifiuta le etichette e si misura con relazioni complicate, amori irrisolti e momenti di rinascita in un libro che diverte, commuove e, soprattutto, fa sentire meno soli.

Abbiamo avuto la possibilità di scambiare qualche battuta con l’autrice di Inutilmentefiga – vi riportiamo di seguito quanto emerso.

Quanto c’è di te e quanto di finzione nella protagonista?

“Molta, molta finzione in realtà, mi interessava scrivere un romanzo, non un’autobiografia o un diario intimo. Se avessi chiamato la protagonista Pupilla (nome strano ed originale come quello della protagonista del romanzo) il dubbio su cosa fosse vero e cosa inventato non sarebbe venuto a nessuno. Ma così penso sia più divertente per il lettore che crede sia tutto vero. Come viene detto in seconda di copertina è auto-fiction”.

Dopo il successo teatrale, cosa ti ha spinta a trasformare Inutilmentefiga in un romanzo?

“Qualcuno mi ha detto ‘perché non scrivi il romanzo?’ e un po’ perché mi ha spiazzata e un po’ perché amo le sfide, mi ci sono messa. Tra l’altro ci tengo a dire che il romanzo è molto diverso dallo spettacolo, ciò che li unisce è la protagonista, Elda, Inutilmentefiga a teatro tanto quanto nel romanzo”.

Cosa significa per te essere “inutilmente figa” oggi?

“Inutilmentefiga tutto attaccato mi raccomando! Proprio perché non è qualcosa che si possa declinare diversamente se non così, in un’unica parola perché è una weltanschauung, qualcosa che ha a che fare con un sentire più profondo. È qualcosa che ti spinge sempre a cercare, a sognare, anche se si sono collezionati fallimenti e delusioni. Oggi sono sicuramente più attenta alle persone che incontro e alle cose che scelgo di fare, le esperienze della vita mi hanno resa ‘cinicamente ottimista’”.

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Architetto, investitore, immobiliarista e, in una vita precedente, logista (responsabile della logistica) per Medici Senza Frontiere in angoli remoti del pianeta: ha fatto tutto questo Talarico, 53 anni, azionista e membro del consiglio di amministrazione di Carioca, la storica azienda italiana dei pennarelli, protagonista della quarta puntata di “Boss in Incognito”, nell’edizione condotta da Elettra Lamborghini.

La storia di Luca Talarico, dall’architettura alle emergenze umanitarie a Carioca

Nato a Torino nel 1972, Talarico percorre inizialmente un tracciato professionale lineare. Dopo la laurea in Architettura, lavora tra Torino e Parigi, disegnando spazi e progetti. Ma nel 2005, un bisogno viscerale di cambiamento e una forte spinta ideale lo portano a un punto di rottura. Lascia tutto e parte come logista con Medici Senza Frontiere.

Questa scelta non è una semplice parentesi esotica. È un’esperienza formativa che plasma il carattere e la visione del mondo. La sua prima missione di 9 mesi in Angola, seguita da una seconda di 6 mesi in Bangladesh, non sono vacanze di volontariato. Sono immersioni totali in contesti di emergenza, dove la logistica – il movimento di farmaci, attrezzature, vettovaglie – può fare la differenza tra la vita e la morte. Qui, Talarico impara sul campo la gestione delle risorse in condizioni estreme, la leadership sotto pressione e il valore umano di ogni componente di una squadra. Competenze che, anni dopo, si riveleranno preziose in un consiglio di amministrazione (e che sono sempre preziose da enunciare nel mondo corporate).

Il rientro in Italia nel 2008 è dettato da motivi familiari. Talarico si ferma a Torino e, quasi per inerzia, inizia a occuparsi delle società immobiliari di famiglia, diventando amministratore di Algol srl (immobili industriali) e Kauai srl (immobili residenziali). L’imprenditoria, del resto, è un DNA di famiglia: suo nonno fu alla guida della Trucco Spa, un’eredità industriale che ha lasciato un segno.

Ma la mente dell’ex-logista non si accontenta di gestire l’esistente. Nel 2008, con due soci, fonda Japs srl, una catena di sushibar che oggi conta quattro locali a Torino. È solo l’inizio di un percorso da investitore. Nel 2013, con una visione pionieristica, investe Oltreoceano nella sua prima startup, Adespresso Inc. Da allora, il suo portfolio si è arricchito, seguendo personalmente sei progetti innovativi, dimostrando una spiccata attitudine a individuare e scommettere sul potenziale (d’altra parte è membro del Club degli investitori, associazione di Business angel che cercano di dare una mano a nuovi wannabe imprenditori).

La scommessa su Carioca: creatività e “made in Italy”

La svolta più significativa nella sua carriera di investitore arriva con l’ingresso nella nuova Carioca Spa. Non si tratta semplicemente di un affare, ma di un’eredità da custodire e far crescere. Carioca non è un brand qualunque: nata nel 1965 dal gruppo Universal degli anni ’50, è un pezzo di storia dell’infanzia italiana, un simbolo di creatività e qualità.

Oggi, Talarico è socio e membro del CdA di un’azienda che, con oltre 36 milioni di euro di fatturato e 110 dipendenti, è un caso di eccellenza. In un’epoca di delocalizzazioni, Carioca produce ancora in Italia l’85% dei suoi prodotti, utilizzando coloranti atossici e garantendo livelli imbattibili di lavabilità e brillantezza. Una scelta di campo che parla di orgoglio e sostenibilità, valori che risuonano con il percorso personale di Talarico.

In “Boss in Incognito”, si sporca le mani nell’assemblaggio delle penne, nel processo di creazione dell’inchiostro e nel confezionamento e non è fiction: per Talarico, è un modo per tornare alle origini, per applicare quella lezione di umiltà e contatto diretto appresa nelle missioni con MSF. È la prova che, a volte, per guidare un’azienda verso il futuro, serve ricordare come si costruisce, pezzo per pezzo, il suo prodotto.

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