Lucio Dalla non si ascolta soltanto, si vive. La mostra “A volte basta una canzone” di Kotè, allestita all’Archivio di Stato, nella suggestiva piazza de’ Celestini, riesce in un’impresa davvero originale: trasformare le canzoni in immagini, dando forma visiva a quel mondo sognante e profondo che il cantautore bolognese ha saputo raccontare per decenni. Un’esperienza artistica e immersiva che intreccia pittura, musica e tecnologia in un connubio inedito e sorprendente.

L’arte da ascoltare: un’idea innovativa

Ciò che rende questa mostra davvero particolare è l’idea delle “tele da ascoltare”. Ogni opera dell’artista Kotè è legata a una canzone di Dalla, ripensata con effetti sonori e nuove sfumature, accessibili tramite QR code. Un modo innovativo di fruire l’arte, che trasforma il percorso espositivo in un viaggio multisensoriale.

A rendere ancora più potente il messaggio sono le tematiche affrontate: l’amore in tutte le sue sfaccettature, la guerra, l’individualismo, la fragilità umana fino alla tecnologia e il metaverso. Kotè non si limita a reinterpretare Dalla, ma attualizza i suoi testi con riferimenti al presente, mantenendo intatta la loro poesia.

Urban art e surrealismo: lo stile di Kotè

Lo stile di Kotè è un incontro tra urban art e surrealismo: le sue tele vibrano di colori accesi e immagini evocative, spesso sospese tra sogno e realtà. I riferimenti al mondo urbano si mescolano con simbolismi onirici, creando un linguaggio visivo che colpisce e coinvolge.

Le opere più suggestive

Tra i dipinti esposti che catturano l’attenzione, è Come è Profondo il mare: un’opera che raffigura un uomo dal corpo di stampo ellenistico nelle acque, circondato da pesci, simbolo di quella profondità dell’anima che Dalla ha sempre saputo raccontare nelle sue canzoni. Un’immagine potente, che richiama il senso di smarrimento e di ricerca esistenziale del brano a cui è ispirata.

Un altro momento di forte impatto emotivo arriva con la struggente Amore disperato, nella versione cantata da Dalla e Mina. L’opera che la accompagna racconta l’amore impossibile e tormentato di Tosca, un sogno irraggiungibile che si traduce nei volti che si sfiorano senza mai toccarsi, un’immagine che racchiude tutta la malinconia della canzone.

In Chissà se lo sai, Kotè esplora il tema di una storia d’amore interrotta e tossica, mettendo in scena un dialogo mancato o urlato, uno spazio tra due anime che si cercano ma solo per discutere e litigare. Una rappresentazione intensa e malinconica della fragilità dei sentimenti, che si fonde perfettamente con le parole struggenti del brano.

Per chi ama Dalla, per chi vuole ascoltarlo con occhi nuovi, per chi cerca un’arte capace di emozionare e sorprendere: questa mostra è un appuntamento da non dimenticare.

Voto finale: 8

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A Bologna, presso il Palazzo Pallavicini, in via San Felice, 23 è esposta fino al 20 luglio 2025 la mostra dedicata a Jack Vettriano, pittore inglese scomparso da poco, che ha saputo dipingere l’arte della seduzione su tela. Infatti, non ritrae solo immagini, ma sospiri e attese, sguardi rubati, baci e carezze sfiorate dal vento. Il suo mondo è fatto di storie non raccontate, di incontri clandestini e di una seduzione mai gridata, ma sussurrata con il linguaggio universale dell’arte.

Le tele si susseguono come fotogrammi di un film noir in bianco e nero alla Vidor , ravvivato dal rosso acceso degli abiti femminili, dello smalto e del rossetto, simboli di passione e carnalità. Le linee curve delle figure femminili (a volte vestite o parzialmente nude) danzano tra ombre e luci soffuse, evocando il fascino ipnotico della rumba, l’intensità del tango e la classe del jazz. Accanto a loro, uomini in smoking con cappello e sigaretta, incarnazione di mistero ed eleganza, che osservano, proteggono e desiderano. Non sono semplici comparse, ma partner in una coreografia di emozioni trattenute e movimenti calibrati con maestria.

Vettriano gioca con il tempo e lo spazio: ogni tela è un istante sospeso, un prima e un dopo che lo spettatore è chiamato a immaginare. I dipinti che comunicano questo aspetto sono Bad boy, good girl o The look of love?, dove la tensione emotiva tra i due personaggi si cristallizza in uno sguardo, un gesto, prima ancora di un accadimento vero e proprio, di un atto romantico o sensuale.

La mostra non è solo un’esposizione, ma un viaggio nei meandri del desiderio e dell’eleganza, un’esperienza sensoriale che lascia il segno. Vettriano non ha bisogno di eccessi per catturare l’anima dello spettatore: la sua seduzione è sottile, raffinata, avvolgente.

L’ultima sezione della mostra è dedicata ai ritratti, un capitolo intimo e profondo che svela un lato più personale dell’artista. Tra questi, spicca un autoritratto fotografico che racchiude tutta l’essenza di Vettriano: un uomo elegante e malinconico, sospeso tra la sensibilità per la bellezza e il tormento interiore che lo spingeva a dipingere. Il suo volto, segnato da luci e ombre sapientemente bilanciate, racconta di un’anima affascinata dal desiderio, ma anche consapevole della solitudine che spesso lo accompagnava.

Voto finale: 9.5

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Dall’8 al 16 febbraio 2025, in occasione di ART CITY WHITE NIGHT ARTEFIERA, la Corte di Felsina in via Santo Stefano 53 a Bologna ospita la mostra collettiva L’Arte e le sue Artiste, organizzata e allestita dalla curatrice Anna Rita Delucca. L’esposizione riunisce ventisei artiste attive nel campo della pittura, del disegno, dell’incisione e della fotografia, offrendo uno sguardo sulla creatività femminile attraverso tecniche e sensibilità diverse.

Tra le protagoniste spicca anche Lorella Lauricella, artista torinese originaria di Imola, le cui opere sono state raccontate dalla curatrice Anna Rita Delucca: “La sua attenzione è rivolta in prevalenza sulla figura femminile in cui non di rado identifica se stessa, a volte anche solo idealmente, analizzando i meandri più profondi dell’animo umano”. 

Durante il vernissage di sabato 8 febbraio 2025 presso gli spazi de La Corte di Felsina, Delucca ha definito lo stile di Lauricella: “Dolce e rassicurante. Attraverso i colori vivaci, rappresenta un mondo secondo la sua visione personale. In un’opera che si intitola Calde atmosfere, raffigura simbolicamente quasi spessissimo, anzi in molti casi il proprio autoritratto”.

Questa mostra offre l’opportunità di apprezzare le molteplici modalità espressive delle artiste, mettendo in risalto il talento e la sensibilità che animano la scena culturale contemporanea. L’esposizione, ambientata nella storica cornice della Corte di Felsina, invita a una riflessione sulle innovazioni e le tradizioni che caratterizzano il panorama creativo, stimolando curiosità e dialogo. Un invito a immergersi in un percorso che arricchisce lo spirito e testimonia l’importanza dell’impegno femminile nel mondo dell’arte.

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Il MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, nella splendida dimora storica Villa delle Rose, in via Saragozza 228/230, presenta la mostra CAROL RAMA. Unique Multiples, a cura di Elena Re. L’esposizione, aperta dal 24 gennaio al 30 marzo 2025, rappresenta un’occasione imperdibile per immergersi nel mondo intenso e visionario di Carol Rama. Il progetto, realizzato in collaborazione con Jacobacci & Partners nell’ambito dell’iniziativa Fuorisede, esplora la produzione di multipli dell’artista torinese tra il 1993 e il 2005, creati con Franco Masoero Edizioni d’Arte.

La sensualità come chiave espressiva

Il percorso espositivo rivela l’universo di Rama, dove sensualità e seduzione si intrecciano con simboli ricchi di significato. Scarpe, oggetti quotidiani e forme falliche diventano strumenti per esplorare il desiderio, il femminile e la complessa relazione tra lussuria e bellezza. La sua arte non solo seduce, ma invita a riflettere sull’emancipazione, restituendo dignità e forza al corpo e mente femminile.

L’arte moltiplicata: multipli unici e intensità creativa

Rama non ha mai considerato i multipli una ripetizione sterile, ma piuttosto una forma d’arte totale. L’artista affrontava ogni soggetto con la stessa energia che riservava ai pezzi unici, spesso intervenendo manualmente con pennellate o accostando prove d’autore alle versioni definitive, trasformando ogni opera in un multiplo unico.

La mostra attraversa i temi cardine del mondo di Carol Rama: personaggi, feticci, seduzioni e oggetti intrisi di una forte connotazione personale. Ogni sala di Villa delle Rose racconta un frammento della vita e dell’arte di Rama, evidenziando il profondo legame tra tecnica e poesia. Centrale è anche il rapporto con l’editore-stampatore Franco Masoero, che le permise di lavorare in totale libertà creativa.

La vita di Carol Rama: coraggio e trasgressione

Olga Carolina Rama, conosciuta come Carol Rama, nacque a Torino il 17 aprile 1918 (anche se spesso indicava il 16 o il 18 come data di nascita).  L’artista visse in una famiglia borghese e apprese da bambina le basi del disegno posando per la pittrice Gemma Vercelli. La sua vita subì un drastico cambiamento con il fallimento dell’azienda paterna, evento che la spinse a cercare nell’arte un modo per esprimersi.

Abbandonò l’Accademia per proseguire da autodidatta, dipingendo situazioni e personaggi ispirati alla propria vita, spesso con espliciti riferimenti alla sessualità. La sua arte attirò l’attenzione di intellettuali come Felice Casorati, Edoardo Sanguineti (suo amico del quale divenne musa ispiratrice), e Paola Levi Montalcini.

Dagli esordi negli anni Quaranta, Rama esplorò molteplici stili, dall’astrattismo all’informale, legandosi a gallerie prestigiose come La Bussola di Torino. Nel 1985, Rama raggiunse il riconoscimento internazionale con una mostra a Milano curata da Lea Vergine, e nel 1993 alla Biennale di Venezia. Nel 2003 ricevette il Leone d’Oro alla carriera, affermandosi come una figura chiave dell’arte contemporanea.

Un percorso tra arte, poesia e libertà

I multipli esposti a Bologna testimoniano la visione di Rama: opere che, pur moltiplicate, mantengono un’identità unica. Ogni variazione racconta la libertà creativa dell’artista, una donna che ha saputo rompere schemi e pregiudizi.

La mostra ricostruisce con maestria la storia di queste opere, mettendo in evidenza il coraggio di Rama nell’affrontare temi spesso considerati tabù. Rama trovava una forma di auto-guarigione e ribellione attraverso l’arte: “Dipingere mi liberava dal dolore e mi spingeva a trasgredire. Era il mio piacere.”

Una celebrazione dell’arte e dell’emancipazione

La mostra CAROL RAMA. Unique Multiples si inserisce nel programma ART CITY Bologna, in tandem con Arte Fiera, e rappresenta un’occasione unica per scoprire un’artista simbolo di emancipazione, seduzione e coraggio.

Valutazione della mostra

L’esperienza complessiva merita un eccellente voto 9. La narrazione della vita di Carol Rama e della sua mostra merita un 9+ poiché è stimolante e ricca . L’idea di raccontare un’artista così significativa, dieci anni dopo la sua scomparsa, è valutata con un 9,5 per originalità. Carol Rama emerge come una figura coraggiosa e senza limiti, capace di raccontare la passione e la libertà attraverso un’arte che rompe schemi e convenzioni.

Un viaggio straordinario nella mente e nel cuore di una pioniera dell’arte contemporanea.

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Domenica 12 gennaio 2025 Tutti De Sica. Regista & interprete, il Modernissimo di Bologna saluta un evento che ha saputo emozionare, istruire e intrattenere. A 50 anni dalla scomparsa di Vittorio De Sica, la Cineteca di Bologna ha reso omaggio a una delle figure più straordinarie della storia del cinema italiano, offrendo ai visitatori un’esperienza immersiva e dettagliata sulla vita e l’arte del Maestro.

Un viaggio evocativo tra cimeli e film

La mostra, inaugurata il 1° ottobre 2024 è stata un vero scrigno di tesori per appassionati di cinema e per chi si è avvicinato per la prima volta all’opera di De Sica. Tra lettere, fotografie, manifesti e oggetti di culto come l’iconica bicicletta di Ladri di biciclette e i costumi originali dei suoi film, i visitatori hanno potuto rivivere i momenti salienti della carriera di un artista che ha saputo innovare e definire il Neorealismo.

La sezione dedicata ai materiali personali, provenienti dall’archivio custodito dalla figlia Emi De Sica, ha offerto uno sguardo intimo sulla vita privata e familiare dell’attore e regista. Gli Oscar vinti, le collaborazioni con Sophia Loren, Cesare Zavattini e Marcello Mastroianni, e il legame ideale con Charlie Chaplin hanno arricchito ulteriormente il percorso espositivo.

Raccontare De Sica a chi non lo ha vissuto

Una delle grandi qualità della mostra è stata la capacità di raccontare Vittorio De Sica anche a chi non ha mai visto un suo film. Attraverso un’accurata disposizione degli spazi e l’uso di frammenti cinematografici, si è riusciti a trasmettere l’essenza di un artista capace di raccontare l’animo umano con profondità e leggerezza. Dalla sua infanzia agli esordi teatrali, dal successo discografico con Parlami d’amore, Mariù ai capolavori come Sciuscià e Umberto D., ogni tappa della sua carriera è stata valorizzata per offrire una visione completa del “multiforme” De Sica.

Un successo riconosciuto

La mostra ha ottenuto un plauso quasi unanime da parte dei visitatori, con una valutazione complessiva di 9/10. L’idea alla base dell’evento è stata apprezzata per la sua originalità e per il tributo che ha reso a una figura cardine del Novecento. La disposizione degli spazi, valutata 8,5/10, ha contribuito a rendere il percorso scorrevole e suggestivo, anche se alcuni hanno lamentato una certa difficoltà nell’accesso a dettagli specifici a causa dell’affollamento nei momenti di punta.

Un’eredità che ispira

La chiusura di Tutti De Sica rappresenta non solo la fine di una mostra, ma anche il passaggio di un messaggio: la cultura e il cinema continuano a essere strumenti di riflessione e di bellezza. L’omaggio al Maestro ha lasciato un segno tangibile nella memoria collettiva, dimostrando che il passato può ancora ispirare e guidare il presente.

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Bologna è una città ricca di segreti, e tra i suoi vicoli e colline si nasconde un luogo che attira chi è appassionato di storie misteriose e oscure: Villa Malvasia, oggi conosciuta come Villa Clara. Situata in via Zanardi 449, questa antica dimora è stata teatro di storie inquietanti e leggende spettrali. Per scoprire ancora di più cosa si cela dietro questa sinistra dimora, NonSolo.tv l’ha visitata accompagnato dalla guida Francesco, un esperto di storie e leggende bolognesi che, ha saputo rendere l’atmosfera ancora più suggestiva.

Il primo impatto: arte tra le mura della villa

Nella villa Malvasia abbiamo avuto l’impressione di essere  accolti in un luogo tetro, ma che conserva i segni di un’epoca artistica ricca di simboli. Francesco, la guida, ci ha spiegato come Carlo Cesare Malvasia, uno degli antichi proprietari, fosse un grande appassionato di arte. Malvasia inoltre era un intellettuale prolifico, autore di volumi e testi critici su pittori e artisti del suo tempo. Nei suoi scritti celebrava le opere e i maestri dell’arte, e la stessa villa rifletteva questa passione: gli affreschi colorati ormai carta velati, sono la testimonianza del suo gusto raffinato.

Gli affreschi rappresentano allegorie di gloria e buon augurio: figure alate e trionfanti (alcune con seno in mostra), dipinte con vividi colori, che Malvasia scelse come simbolo dell’onore e del successo della sua famiglia. In altre sale, le scene di caccia nobiliare rappresentano il gusto aristocratico per il dominio della natura, e ci trasportano in un’atmosfera di fasto ormai perduto. Secondo amicidelleacque.org, in questa villa operò il Dentone (Girolamo Curti) che lavorò sul soffitto della doppia loggia a forma di “T” assieme agli allora giovanissimi decoratori Brizio, Tognino, Franceschino Carracci, Valesio.

La leggenda del fantasma di Clara

Nonostante la fama sinistra che avvolge Villa Clara, la leggenda della bambina o adolescente murata viva dal padre geloso non trova riscontro nella realtà storica. Dopo diversi passaggi di proprietà, stando a amicidelleacque.org la villa fu acquistata da Clara Mazzetti, vedova Barzaghi, a cui deve il nome attuale: Villa Clara. Clara Mazzetti fu una figura decisiva per la rinascita della villa, che riportò alla sua antica gloria, riqualificando i saloni del piano terra e arredando nuovamente l’edificio con gusto ed eleganza. L’architettura della villa era molto avanzata per l’epoca, con un sistema di riscaldamento che, dal camino del salone principale, distribuiva aria calda nelle stanze circostanti attraverso condotti nascosti sotto il pavimento in quercia. Purtroppo, nei decenni successivi, alcuni vandali danneggiarono il pavimento, nel tentativo di trovare presunti tesori nascosti sotto le tavole.

Chi visita oggi la villa, resta colpito dalla grandezza degli ambienti e dalla qualità degli affreschi, che sopravvivono come testimonianza dell’eleganza e del fascino del passato. Scale nascoste permettevano un tempo alla servitù di muoversi tra le cucine nei sotterranei, i piani nobili e il sottotetto, mentre ingegnosi montacarichi trasportavano pietanze e vini ai commensali.

Avvistamenti e rumori

Mentre percorrevamo le stanze e i corridoi della villa, c’erano avvenimenti strani che si aggiungevano all’inquietudine della visita. Chi ha visitato Villa Clara ha riferito di aver udito suoni inspiegabili: il rumore di crolli improvvisi, come se il peso dei secoli stesse cedendo da un momento all’altro, o addirittura il suono lontano e sinistro di una motosega. Inoltre, qualcuno ha giurato di aver visto una figura minuta apparire brevemente ad una finestra bianca. Forse sono solo suggestioni, ma il racconto delle persone ci ha fatto immaginare la donna, in cerca conforto e ancora legata a quel luogo.

Un ringraziamento speciale va all‘Associazione Vitruvio e alla guida Francesco, che con il tour “Fantasmi in Villa” ha reso possibile questa esperienza indimenticabile, permettendoci di scoprire le ombre e i segreti di Villa Clara.

Katia Di Luna

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Lo scorso 10 ottobre 2024 è stata inaugurata a Napoli, Tu si na cosa grande, una delle ultime opere dell’artista e designer italiano Gaetano Pesce. Situata in Piazza Municipio, l’installazione raffigura una rivisitazione stilizzata di Pulcinella, celebre maschera della tradizione partenopea, alta ben 12 metri. La scultura, caratterizzata da due cuori trafitti da una freccia dorata, ha subito generato polemiche e ironia sui sociale per la sua forma fallica. L’opera inoltre rappresenta un atto d’amore per Napoli e uno dei momenti più discussi della rassegna Napoli Contemporanea, curata da Vincenzo Trione.

Ma chi era esattamente Gaetano Pesce?

Gaetano Pesce nacque a La Spezia nel 1939 e morì a New York nell’aprile 2023. L’artista è stato un esponente di spicco del “design radicale”, movimento che negli anni ’60, che sfidò le convenzioni estetiche e funzionali del design tradizionale.

Pesce studiò architettura presso lo IUAV di Venezia, dove iniziò a esplorare la fusione tra arte, design e architettura, sviluppando uno stile unico e sperimentale che abbracciava l’uso di materiali innovativi e forme audaci. La sua carriera è stata caratterizzata da un’intersezione di discipline artistiche: dal design di oggetti iconici, come la celebre serie di sedute “Up”, alle grandi installazioni artistiche che sfidano l’interpretazione convenzionale dello spazio pubblico.

Pesce fu noto per la sua capacità di trasformare materiali comuni, come resina e gomma, in opere d’arte evocative, spesso provocando dibattiti sull’estetica e la funzione dell’arte nel contesto sociale. Le sue opere sono state esposte nei principali musei del mondo, tra cui il Museum of Modern Art (MoMA) e il Metropolitan Museum of Art di New York, il Victoria and Albert Museum di Londra e il Centre Georges Pompidou di Parigi.

Una delle sue ultime opere è Tu si na cosa grande, scultura poliedrica e controversa, rifletteva la sua visione dell’arte come strumento di dialogo e critica.  Un’opera, che pur essendo stata accolta con reazioni contrastanti, è un ulteriore esempio del suo impegno intelligente nel creare opere che non lasciano indifferenti, spingendo lo spettatore a riflettere su ciò che l’arte può rappresentare nel contesto moderno. Insomma, se non fosse stato di forma fallica e senza un titolo particolare avrebbe creato lo stesso clamore? Sembrerebbe piuttosto difficile, no?

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Lunedì 23 settembre 2023 si è aperta la 41ª edizione di Cersaie, fiera internazionale della ceramica e arredo bagno, con un focus particolare sulle sfide del settore legate alla transizione energetica e alla competitività globale. Il convegno inaugurale, intitolato “Transizione energetica e competitività internazionale per la ceramica italiana”, ha visto la partecipazione di importanti rappresentanti istituzionali e industriali, tra cui il ministro dell’Ambiente Gilberto Pichetto Fratin e il presidente di Confindustria Ceramica, Augusto Ciarrocchi.

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Mosaico Spirits, startup innovativa della produzione di gin fondata da Marco Bertoncini a Zola Predosa, è passata al terzo capitolo “Self Control” dopo il Tour de France della volta scorsa. Per l’occasione è stata chiamata Margherita Calzoni, artista e pittrice bolognese con un’esperienza pluridecennale alle spalle per realizzare una performance artistica (a base di colori acrilici con gin) Self Control, coinvolgendo attivamente i partecipanti presenti.

“Il mio titolo è Self control e con questo vorrei indagare sul significato della parola, che vuol dire letteralmente ciò che ci sconquassa interiormente e ci fa perdere l’autocontrollo” ha esordito così Margherita Calzoni. “Ognuno di noi ha un punto debole e per vivere una vita serena e senza perdere il controllo dovremmo evitare stress, alcol e fumo e altre cose che ci fanno male” ha poi spiegato l’artista.

“Ora chiedo a voi… qual è la cosa che vi fa perdere il controllo, il self control?” ha infine chiesto Margherita ai presenti. C’è chi ha risposto l’ingiustizia, chi la maleducazione, qualcuno le regole, l’arroganza, l’ignoranza, la chiusura mentale e chi persino la “non puntualità”. Con queste parole l’artista ha fatto “lo scheletro” dell’opera, scrivendo le parole dette su un telo bianco con diversi pennarelli colorati, tra cui uno nero, un altro rosso e blu.

A quel punto, l’artista ha inciso un taglio all’interno della tela, in modo da “spezzare” le parole che danno più fastidio e che fanno perdere il controllo ad ognuno di noi, per poi farci attraversare all’interno di essa. Questo perché la perdita dell’autocontrollo appartiene a tutti, ci unisce e ci rende più umani. Infine, Margherita  ha dipinto sopra le parole cancellandole in parte con diversi colori come nero, giallo, blu, fucsia, viola come simbolo di “eliminare” le parole fastidiose e che ci danno problemi, ma allo stesso tempo colorarle come se fossero parte integrante della vita con diverse sfumature e meno piatta e più viva.

Katia Di Luna

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