Rudy Ricciotti ha preso parte al Cersaie 2024 di Bologna, dove ha tenuto una conferenza del programma “costruire, pensare ed abitare” per confrontarsi con architetti e curiosi del settore.

Nato in Algeria nel 1952, Ricciotti è un architetto e ingegnere francese di origini italiane, con studio a Bandol, affacciato sul Mediterraneo. Figura di spicco nell’architettura contemporanea, è celebre per il suo uso pionieristico del cemento, trasformandolo in un materiale d’espressione artistica. Ha ottenuto prestigiosi riconoscimenti come il Grand Prix National d’Architecture, la Médaille d’Or de l’Académie d’Architecture e il Premio Auguste-Perret dell’Unione Internazionale degli Architetti. È inoltre Commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres e Chevalier de la Légion d’honneur.

Tra le opere più importanti dell’architetto, figurano il MuCEM di Marsiglia, il Dipartimento delle Arti Islamiche del Louvre a Parigi, il Museo Jean Cocteau a Mentone e lo Stadio Jean Bouin a Parigi. All’estero, ha realizzato progetti come la Nikolaisaal Philharmonie a Potsdam, la Passerella della Pace a Seoul e il Museo La Boverie a Liegi.

Ricciotti è noto per le sue riflessioni critiche sull’estetica contemporanea, pubblicate nel suo libro “L’exil de la beauté”. Noi di NonSolo.tv abbiamo colto l’occasione di porgli qualche domanda curiosa  sull’intelligenza artificiale e i giovani.

K: Come vede l’arte e architettura nel mondo del futuro anche riguardo l’intelligenza artificiale? 

R: Direi che il mondo del futuro è vicino alla porcheria, ma vorrei lanciare una speranza per i giovani. Penso che il mondo in futuro non abbia tante soluzioni. Posso dire che conosciamo abbastanza valore del lavoro come l’articolo 1 della Costituzione Italiana “L’Italia è una repubblica basata sul lavoro”. Insomma c’è l’ultima verità ancora possibile: esiste valore del lavoro e niente più.

K: Quindi pensa che sia davvero finita?

R: No, nulla è finito. Certo, devo lanciare un po’ di speranza ai giovani architetti, no?

K: Ha una versione davvero ottimistica…

R: Sono ottimista perché gli architetti non devono avere paura del potere, del lavoro e soprattutto della conoscenza. Oggi il problema è che ogni anno gli architetti sono più poveri in cultura. Io sono architetto ma anche ingegnere… Comunque, quello che voglio dire è che i giovani devono sempre combattivi per fare in modo che la loro conoscenza si amplifichi ancora di più.

K: La ringraziamo per questo dialogo…

R: Merci! Mai perdere la speranza…

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Tra gli espositori del Cersaie 2024 di Bologna, c’era anche Alessandro Fugazza, giovane direttore di Dps Solving, azienda veneta che ha progettato e realizzato i pavimenti sopraelevati. Degli strumenti fatti apposta per risolvere il problema degli allagamenti in terrazza o in qualsiasi posto in caso di maltempo, grazie ad una base autolivellante e una tecnologia adattabile a qualsiasi tipo di ceramica. Noi di NonSolo.Tv siamo rimasti interessati a questo progetto e quindi abbiamo intervistato Fugazza per saperne di più anche sulla storia della sua azienda molto “nerd”.

K: Ci può raccontare come è nata quest’azienda e quali sono i principali obiettivi?

A: E’ nata dall’ispirazione di tre soci, che sono Alberto, Riccardo ed io. Nel 2018 abbiamo intrapreso quest’impresa di produzione di sopraelevati da esterno. Essendo un prodotto molto tecnico, abbiamo voluto raccontarlo in forma diversa, perché la classica tecnicità stile anni ’80 e ’90 con un gruppo molto giovane ha un po’ stufato. Quindi, qui al Cersaie abbiamo cercato di dare la nostra interpretazione, realizzando un manga e ogni prodotto rappresenta un supereroe per noi. Una sorta di supereroe che va a combattere contro i nemici occulti, che mi piace definirli “la concorrenza” e li ho rappresentati sottoforma di video grafico al Cersaie.

K: Perché quest’idea particolare di rappresentare un’azienda come se fosse un fumetto?

A: E’ nata perché di recente è scomparso un fumettista molto importante, Akira Toriyama, del quale ho seguito fumetti classici di Dragonball. Questo è stata una fonte d’ispirazione per realizzare qualcosa di diverso qui al Cersaie. Insomma, è un omaggio a lui.

K: Come è strutturato il team e che età avete?

A: Siamo un team molto giovane e sicuramente questo porta l’azzardo di mettere le idee un po’ estrose. In realtà, è quello che ci piace e come dicevo il team è giovane così come l’azienda. Ci piace lavorare in questo modo e spero che continueremo a farlo.

K: Questi prodotti tra l’altro rappresentati in maniera un po’ futuristica e come se provenissero dallo spazio?

A: Si, hanno caratteristiche un po’ aliene a volte, Una cosa che abbiamo puntato quest’anno e che nessun azienda nel settore ha sviluppato è l’intelligenza tecnologica. Dunque, non artificiale ma quella di dare la tecnologia ad un supporto che è un corpo inanimato e alla fine abbiamo coniugato la tecnologia e più il supporto per creare un prodotto smart. Insomma, oltre a creare una parte un po’ simpatica dello stand, abbiamo focalizzato la parte principale che è quella tecnologica piuttosto avanzata e che non ha ancora inventato nessuno.

K: Cosa si augura in futuro?

A: Il futuro lo dirà il mercato, perché comunque purtroppo siamo sempre legati a quello e noi ce la metteremo tutta. Le carte in regola le abbiamo e vedo che la simpatia e l’ironia ci sono e vengono apprezzate. Quindi, direi avanti tutta!

Katia Di Luna

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Lorella Lauricella è nata a Torino, dove ha vissuto fino all’età di 16 anni. Si è trasferita ad Imola, dove attualmente vive.

La sua formazione artistica è iniziata a Bologna, dove ha frequentato per due anni il Liceo Artistico. Durante questo periodo, ha sviluppato le sue capacità creative, dedicandosi alla pittura su pietra e su vetro per diversi anni.

Negli ultimi tempi, la sua espressione artistica si è concentrata sulla pittura su tela, utilizzando sia la tecnica ad olio che quella acrilica. Le sue opere sono caratterizzate da una poetica espressiva e stilistica che si distingue per l’estrema soavità e delicatezza emotiva. Questo tratto distintivo è emerso sia nella scelta dei soggetti che nel tocco leggero della pennellata, evocando un universo riflessivo e psicologico profondamente femminile. Infatti, venerdì 21 giugno 2024, Lorella ha inaugurato una mostra dal titolo Femminilità, natura e suggestioni pittoriche, a cura di Fabio Zullo presso l’Hotel Donatello di Imola. Proprio in quest’occasione NonSolo.Tv ha fatto qualche domanda alla pittrice Lorella per saperne di più su cosa ci vuole comunicare la sua pittura e i suoi personaggi femminili.

K: Ciao Lorella, abbiamo notato in questa bellissima mostra sulla femminilità che c’è un interessante dualismo, quindi opere più carnali e sensuali e quelle più bucoliche e innocenti. Spiegaci. E’ stata una scelta?

L: Sì, perché sono le mie due facce della personalità. Quindi, c’è la versione molto casta, romantica e anche quella più sensuale come quella volta in cui ho rappresentato a Eroticart a Bologna. Sono sempre donne in ambienti naturali con animali, che sono due cose che amo. Dunque, tutti i miei soggetti sono sempre immersi nella natura, perché noi ne facciamo parte ed è bello curare la natura e saperla vivere. Soprattutto è bello anche saper amare tutto ciò che ci circonda come gli animali (che amo). Comunque, quasi tutti i miei soggetti sono femminili e con i capelli rossi, perché mi rappresentano e mi ci rivedo.

K: Anche l’opera in cui ritrai le volpi sono rosse, Bellezza e furbizia… Ti ci rivedi o rivedi molte donne?

L: Beh sì, molte donne ma non tutte (come non tutti gli uomini) possono essere furbe e molto belle. Quindi, le ho rappresentate con la volpe, che secondo me, è un animale molto bello.

K: Tra l’altro abbiamo notato il titolo di un quadro che si chiama proprio “Il nastro rosa”, che ricorda la canzone di Lucio Battisti. Perché questa scelta?

L: Se ci hai fatto caso, c’è proprio una libellula in un prato tra i fiori. Quindi, da lì ho tratto semplicemente il titolo

K: Una domanda più tecnica: quali sono i tempi di realizzazione di una tua opera?

L: Dipende dal soggetto, dalla grandezza del quadro, se è una pittura ad olio o acrilico. Quindi, non posso dare un tempo definito o un orario definito. Dipingo nei momenti liberi e quando mi viene l’ispirazione. Posso iniziare un quadro e poi riprenderlo dopo un mese o dopo una settimana. Non c’è qualcosa di preciso e penso che lo facciano la maggior parte dei pittori.

K: Mentre realizzi il quadro cosa fai nel frattempo?

L: Ascolto musica o guardo dei film. Poi se il mio compagno vede un film io sono lì che gli faccio compagnia e dipingo.

K: Altri titoli di canzoni che ti hanno ispirato quadri?

L: Ci sono “Voglio vivere così” oppure “Voglio vivere in campagna”, che si ispirano a canzoni in cui c’è sempre la natura, animali, fiori… Poi c’è anche Seduto con le spalle al mondo, intitolata così perché uno si lascia alle spalle tutte le tristezze e solitudini e si gode la giornata anche da solo. Solitamente, mi baso sempre sulla femminilità è diversi aspetti diversi racchiusi in ogni donna.

K: Quali sono i prossimi progetti artistici?

L: Prossimamente, faremo un’esposizione collettiva ad Igea Marina, tra quindici giorni più precisamente il 5 luglio. Nell’esposizione ci sarà l’opera Leo (il leopardo) e Sofia, la donna che soffia il soffione. Poi a settembre ci sarà con Imola e musica e faremo altri quadri inerenti la musica, e quindi, spero di portare Soavi Melodie e si vedrà…

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Leonardo Santoli, pittore e scultore bolognese, si è formato all’Istituto Statale d’Arte di Sesto Fiorentino per la ceramica e poi all’Accademia di Belle Arti di Bologna. Tra i suoi insegnanti ci sono stati Giuliano Romoli, Tofarelli, Fallacara, Morelli, Storti Gajani, Pinuccia Bernardoni, Vincenza Scassellati, Adriano Baccilieri, Giorgio Cortenova e Roberto Daolio.

Durante gli anni Settanta a Bologna, ha esplorato concetti di semiotica e creato opere con materiali non convenzionali come tappi di bibite e francobolli. Uno dei suoi primi lavori è stato “Il quadrato magico”, ispirato a Franco Vaccari. Nel 1980, fu invitato da Concetto Pozzati alla mostra collettiva “Accursia” dove presentò le sue opere. Ha inoltre fatto parte del gruppo Arcaici di fine secolo e ha partecipato a diverse mostre sia in Italia che all’estero. In questi giorni, Santoli ha realizzato un’opera totalmente commestibile a base di gin e diversi colori (composta dalle fragranze dell’azienda di gin personalizzati Mosaico Spirits di Marco Bertoncini) ispirata del Tour de France, la cui tappa si terrà proprio a Bologna il 30 giugno 2024. Per saperne di più, noi di NonSolo.tv abbiamo intervistato l’artista Leonardo Santoli ed ecco cosa ci ha raccontato.

K: Ci spieghi quest’opera che hai realizzato dedicata al Tour de France?

L: Con l’amico poeta Gensini, abbiamo realizzato un volume promosso dalla AICS Bologna e Polisportiva Poggi, e in quell’occasione, ci saranno anche delle esposizioni e mostre. Questa che ho realizzato è in particolar modo un’opera che nasce tra l’incontro tra Angelina e poi con Marco Bertoncini di Mosaico Spirits. E’ un’opera che rende omaggio al passaggio del Tour de France che quest’anno partirà dall’Italia e arriverà anche a Bologna il 30 giugno e quest’occasione ho realizzato l’idea del corridore in giallo, richiamando anche i vari colori delle maglie, come la maglia a pois degli scalatori, quella verde, quella bianca e quella gialla. Marco di Mosaico Spirits ha realizzato un’essenza da cui produrrà una serie di bottiglie di gin con l’etichetta con la mia opera. Ho realizzato una fusione tra il ciclista e la scritta “Mosaico Spirits” da cui viene fuori anche Marco, che è l’ideatore e il fulcro di tutta quest’iniziativa.

K: Come hai conosciuto Marco Bertoncini?

L: Attraverso Angelina, che ha avuto quest’idea e ha coinvolto un po’ di artisti, tra cui Stefano Bettini e me. E ogni mese Marco proseguirà con il suo lavoro nella sede di Zola Predosa, dove ogni artista viene a realizzare un’opera. Mi è piaciuta molto l’idea.

K: Puoi raccontarci che significato hanno i colori?

L: I colori sono tutti riferimenti oltre al Tour de France anche alla terra della Francia. Infatti, invece di studiare inglese alle medie, ho studiato francese e sono innamoratissimo della Francia e ho adoperato il viola della lavanda della Provenza. Poi abbiamo adoperato con le essenze del gelsomino e poi i colori delle varie maglie. Poi ho utilizzato il nero per i contorni e bianco che viene dato dalla tela con inserimento del bianco avorio. I tempi di realizzazione dell’opera sono molto lunghi perché sono partito dalle 15, facendo un disegno per poi colorarlo con colori acrilici e spruzzato dalle essenze gin, create da Marco.

K: Come mai hai realizzato il corridore con la testa da Pinocchio e il vestito a triangoli? C’è un significato particolare?

L: Perché da molti anni ho fatto la fusione delle maschere italiane, che sono l’Arlecchino e Pinocchio. Mentre l’Arlecchino ha dei rombi nel tessuto del costume, ho ripeso questa sorta di triangoli e la testa con il naso di Pinocchio.

K: Quali saranno i prossimi progetti?

L: Il 25 giugno 2024 presso il centro Polifunzionale il Pallone di Bologna presenterò un libro L’Italia al Tour de France che tratterà proprio del Tour de France. Inoltre ci sarà anche un’esposizione presso la Sala Borsa di Bologna il 9 luglio 2024.

Katia Di Luna (articolo, foto e video)

@dilunakatia #CapCut Secondo capitolo di #mosaicospirit #ginartharmonymosaico opera ispirata al #tourdefrance realizzata da Leonardo Santoli! seguite l’arte e il gin @marcobertoncini79 #Bologna ? positive, confident, present, progress, corporate VP(1518395) – KosukeKawaguchi

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Sabato 8 e domenica 9 giugno 2024 si andrà al voto per le elezioni Europee ma in diverse cittadine del Bel Paese sarà anche tempo di andare al voto per eleggere sindaci e presidenti di Regione: si andrà alle urne per le Regionali in Abruzzo, Basilicata, Piemonte, Sardegna e Umbria e per le Amministrative in ben 3.700 Comuni italiani, tra cui 125 comuni liguri e tra di essi uno dei più grandi è quello di Rapallo, amministrato da un decennio dal centrodestra (il sindaco in carica è di Forza Italia).

Tra le possibili alternative c’è Elisabetta Ricci, alla guida della lista civica “noi per Ricci Elisabetta”, in lizza per eventualmente diventare la prima donna sindaco del paesino in provincia di Genova.

Accanto ad Elisabetta Ricci si è candidata una schiera di professionisti, tra cui il cardiochirurgo Francesco Miceli, con cui abbiamo avuto il piacere di scambiare qualche battuta anche per mettere in luce aspetti non strettamente legati alla professione e all’impegno politico.

Ché per conoscere il dottor Miceli dal punto di vista professionale basta fare qualche giro sul web e leggere il suo curriculum vitae, mentre dal punto di vista politico basta dare un occhio ai suoi social (dove è molto attivo) – e comunque anche noi gli abbiamo voluto chiedere qualcosa in tal senso.

D: Al di là del camice, Francesco Miceli chi è? Quali sono le sue grandi passioni?

R: Al di là del camice chi mi conosce dice che sono una persona semplice, attento a tutto quello che mi circonda, forse un po’ disordinato in casa ma mai sul lavoro. Le mie passioni sono lo sport, i libri, i bei film. Sono un tifoso di mio figlio che gioca a calcio e seguo mia figlia che fa ginnastica. Mi piace collezionare fotografie antiche, anche di Rapallo.

D: Parlando di cinema, ché è uno dei temi cardine del nostro sito, qual è il suo film ed il suo attore preferito?

R: Non si può definire l’unico ma mi è piaciuto molto “Nuovo Cinema Paradiso”, tornando ai tempi vecchi. Mi piacciono anche quelli che fanno un po’ ridere, come ad esempio “Non ci resta che piangere” e molti film americani, ma non quelli dell’ultima generazione sicuramente. Attori preferito? Sicuramente Dustin Hoffmann e Savino, Verdone e Alberto Sordi. Ce ne sarebbero tantissimi.

D: Per quanto riguarda la sua professione, una curiosità che sicuramente balena in mente quando si ha a che fare con professionisti del settore: quando ha deciso di diventare medico?

R: La vocazione è giunta da giovanissimo. Avrei voluto fare il veterinario perché amo molto gli animali. Non so quando sia arrivato il passaggio dall’animale all’uomo, ma continuo ad avere comunque un grande rispetto per tutti, animali ed umani.

D: Infine, doveroso tornare all’impegno politico: cosa manca secondo lei a Rapallo e cosa può essere migliorato?

R: Mi piacerebbe una maggiore attenzione al decoro ed al verde pubblico, passando magari da una maggior cura dei parchi e delle strutture dedicate ai giovani.
Il nuoto, il minigolf, il tennis e la pallacanestro sono delle eccellenze come il calcio in Rapallo ed un’attrattività della città passa anche attraverso il miglioramento delle infrastrutture già esistenti. C’è da riconoscere un gran lavoro per lo sport in questi anni che sicuramente va proseguito dando ancora maggior risalto anche agli sport considerati “minori”.
Rapallo deve vivere 365 giorni all’anno e e puntare anche a un turismo di tipo sportivo e culturale, mare, collina, sport e cultura, senza trascurare gli splendidi percorsi già presenti per chi ama l’escursionismo…

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Christian Manzoni è un giovane talento nel campo del make-up e content creator nel mondo della bellezza, originario di un piccolo paese nelle campagne cremasche. Nonostante le sue radici rurali, ha seguito la sua passione per il trucco abbandonando un percorso iniziale nell’istituto tecnico agrario per frequentare un’accademia di formazione per make-up artist a Milano.

La sua determinazione e il suo talento lo hanno portato a collaborare con prestigiose riviste di moda, dove ha dimostrato la sua abilità nel trasformare volti e creare vere opere d’arte attraverso il make-up. Parallelamente, ha condiviso la sua passione sui social media, diventando un punto di riferimento per la community beauty grazie ai suoi consigli, tutorial e al suo approccio autentico.

Noi di Nonsolo.tv abbiamo avuto il privilegio di intervistare Christian al palazzo Gnudi a Bologna, dove ha tenuto una masterclass aperta al pubblico, condividendo con noi la sua storia e i suoi segreti del mondo della bellezza e del make up.

K: Raccontaci un po’ di te e soprattutto cosa hai realizzato questa sera?

C: Io sono Christian Manzoni, truccatore professionista e beauty content creator e lavoro principalmente a Milano nel settore fashion e moda. Ho tenuto una masterclass a Bologna, in collaborazione con Estee Lauder Italia e ho realizzato questo make up super luminoso, glam e soft sulla nostra modella Paola Torrente.

K: Quindi una tendenza di make up naturale ma non troppo. E’ un trend di quest’anno su Tik Tok?

C: Esattamente. Stiamo sempre andando nella direzione della “beauty skinification” nell’esaltare e nell’uniformare la pelle, senza però appesantirla senza però farla sembrare secca e pesante. Questo mi piace tantissimo perché anche da truccatore amo mantenere l’effetto idratato, glow e leggero della pelle, che deve sembrare truccata ma allo stesso tempo struccata e questo è un piccolo segreto.

K: Per quanto riguarda la tendenza labbra contornate molto più scure rispetto al resto un po’ anni ’90 anche tra ragazzine molto giovani. Cosa ne pensi?

C: Quello è un discorso di social media, interazioni e modelli di riferimento, che magari le ragazzine prendono. Poi giusto o sbagliato, bello o brutto non sta a me decidere. A me personalmente piace ingrandire l’arcata di cupido per seguire il naturale contorno delle labbra e in questo modo si crea tridimensionalità ma non si va a fare un effetto gonfio. Ci sta “sbordare” leggermente i contorni però nei limiti e soltanto in alcune zone, perché se si sta nella zona centrale delle labbra, geometricamente la bordatura la si rende più alta e questo l’ho realizzato anche nella masterclass.

K: Anche lo strobing, quindi luce con illuminante e niente più conturing?

C: Si, apportare luce allo zigomo con l’illuminante e ultimamente anche il blush va tantissimo. Il conturing, direi, più lato bronzing quindi l’utilizzo della terra calda, che la stiamo un po’ abbandonando, ma è sempre un must have in estate. Ad esempio, alle mie amiche la passo su tutto il viso, ecco per loro è fondotinta ma per me no assolutamente! Posso dire che il conturing con la terra fredda è una tecnica che va a dare definizione allo zigomo e porta tridimensionalità, che successivamente possiamo dare luce anche con un illuminante perlato, satinato, glitterato come più ci piace.

K: Per quanto riguarda le donne un po’ avanti con gli anni, cosa consigli?

C: Il mio segreto: è usare poco trucco. Insomma, non c’è bisogno di strafare, poi si vede bene ma se è un discorso televisivo e fotografico è un conto, ma tutti i giorni, vale assolutamente la semplicità soprattutto al mattino. Poco di tutto anche per il make up e si vede che perfeziona e fa molto di più effetto rispetto a un trucco super pesante, che magari ristruttura tutto daccapo però si vede tantissimo che si è finte! E quindi, mi piace soprattutto mantenere la naturalezza nella base e la morbidezza della pelle.

K: Come vedi la bellezza in futuro?

C: Vorrei che si sdoganasse un po’ il fatto della chirurgia estetica, perché, siamo abituati a vedere chi va nei saloni televisivi, che ci fanno vedere una bellezza molto finta e strutturata proprio perché bisogna spettacolarizzare questa pratica. In realtà, i chirurgi di cui alcuni sono bravi e sanno anche dire di no ad alcuni interventi, ma al lato prevenzione e curativo e distensivo lo consiglio davvero tanto e spero in una bellezza sempre più pulita e armoniosa. Quindi, per me è la questione armonia che fa la differenza.

K: Dove possiamo seguirti?

C: Mi trovate su Instagram come Christian Manzoni e su Tik Tok (se siete interessati) sempre con nome e cognome e nulla. Grazie mille a tutti!

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“Registrando i Beatles (Here, There and Everywhere)” – edito da Coniglio Editore – ci porta a conoscere l’incredibile storia di Geoff Emerick, tecnico del suono dei Beatles dal 1965 sino allo scioglimento del band e che contribuì in maniera decisiva alla costruzione di album come Revolver, Abbey Road e Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Un viaggio nella sua vita, a metà tra gli studi di Abbey Road e la storia dei Fab4, tra amicizie, aneddoti e tensioni raccontante in questa intervista da colui che con grande passione e professionalità ha avuto il piacere di tradurre.

D: L’avvicinamento di Emerick a diventare il fonico dei Beatles è figlio anche della sua capacità e amore per tutte le arti. Dapprima si avvicina alla musica con il giradischi, poi la radio e successivamente rimane folgorato dall’incontro con il mixer e registratore a nastro. Poi l’incontro con il signor Barlow e la EMI. Un incrocio perfetto sulla strada del destino potremmo dire, giusto?

R: In effetti leggendo il racconto di Emerick su quella parte della propria vita si ha la sensazione che tutto si allinei perfettamente sulla scacchiera del destino, ancor di più quando, pochi anni più tardi, Norman Smith – fino a quel momento unico fonico dei Beatles e artefice tecnico dei loro primi, enormi successi – decide di abbandonare la poltrona più ambita nel mondo degli studi di registrazione che, per estrema sorpresa dell’ancora giovanissimo Geoff, verrà offerta proprio a lui. Ma credo che sarebbe ingiusto dare alla fortuna il ruolo principale di quella veloce e vertiginosa ascesa: sebbene sia innegabile l’incastro di posto e momento favorevoli, il merito principale va senza dubbio assegnato alla mai doma passione di Emerick per la musica registrata e le potenzialità della manipolazione del suono. Fu proprio la voglia sempre crescente (e spesso rischiosa, in quei tempi di rigidi protocolli da studio) di travalicare i confini conosciuti e le convenzioni che lo accomunò con i “quattro ragazzi di Liverpool” e la sua conseguente capacità di concretizzare tecnicamente i loro desideri, attraverso colpi di genio e invenzioni sperimentali, a generare gli storici risultati dei quali ancora oggi godiamo.

D: Inizialmente Emerick viene citato come “schiaccia-bottoni”. Che ambiente era quello della EMI in quegli anni?

R Come accennavo prima, gli studi della EMI (oggi noti a tutti come Abbey Road Sudios, nomignolo nato solo dopo la pubblicazione dell’omonimo album dei Beatles) non erano l’ambiente che un giovane appassionato di musica si aspetterebbe oggi. La musica pop e rock era arrivata relativamente da poco, la figura della rockstar (di cui proprio i Fab 4 rappresenteranno la prima incarnazione) non esisteva ancora e quegli ambienti si consideravano il tempio della musica classica; tutto il personale doveva indossare il camice bianco – o marrone, per i manutentori e gli addetti alle pulizie – e osservare un ferreo regolamento, sia comportamentale che tecnico. Credo che entrandoci si avesse più la sensazione di essere in un freddo laboratorio che in quello che, di lì a poco per merito dei Beatles, sarebbe diventato il primo di tanti centri nevralgici della libertà creativa, la sperimentazione e della musica come strumento per cambiare il mondo.Oggi ci diverte leggere gli aneddoti narrati da Emerick nei quali, mentre prova a mettere in atto una nuova idea agendo sulla strumentazione di studio o sui volumi, prega di non essere visto da un supervisore! A quel tempo per una lancetta che andava sul rosso si rischiava seriamente il licenziamento.

D: Nel 1963 poi scoppia la Beatlemania “figlia” del primo album della band “Please Please Me”. E in quel tempo, viene escogitato il nome The Dakotas per “mascherare le session” dall’assedio delle fans. I Beatles erano consapevoli che in atto c’era un autentica “rivoluzione” che li porterà ad essere un fenomeno di massa mondiale?
R: Ti rispondo serenamente di no. Sebbene il periodo da te citato rappresentasse un primo assaggio di quell’adorazione che arriverà a livelli impensabili, la vera Beatlemania sarà sancita solo qualche tempo dopo, con il successo in America; ma anche allora, nonostante le folle deliranti che li attendevano negli aeroporti e le manifestazioni di amore soffocante da parte dei fans, Lennon e soci non potevano assolutamente immaginare che in un futuro non molto lontano la loro influenza sui giovani avrebbe travalicato i confini della musica fino a guidare cambiamenti nel pensiero, nella moda e nella cultura. Come dicevo, anche in questo furono i primi, quindi in quel momento si consideravano niente di più che degli intrattenitori e si godevano quel vento favorevole pensando che, nel migliore dei casi, sarebbe potuto durare qualche anno. Dopodiché, come possiamo leggere nelle loro dichiarazioni dell’epoca, sarebbero tornati nell’anonimato e a lavori più consueti. Pensare che siamo qui a parlarne sessant’anni dopo come un fenomeno unico ed irripetibile ci fa comprendere la misura del loro contributo alla cultura popolare.

D: Artisticamente e musicalmente, quanto fu “rivoluzionario” l’uso del Mellotron da parte dei Beatles?

R: Anche in questo caso, torno a parlare dell’ingrediente più importante – dando per scontato, naturalmente, l’inarrivabile genio compositivo – della formula che portò i Beatles ai livelli che conosciamo, ovvero un’avidità continua per le novità e l’ossessione di creare sempre qualcosa che non somigliasse ai lavori precedenti. A questa sete mai sopita per l’inedito dobbiamo moltissime “prime volte” presenti negli album dei Fabs: insieme al mellotron, il suono che identifichiamo istintivamente con Strawberry Fields Forever, citerei almeno il moog, fondamentale elemento delle session di Abbey Road, e ancor prima il sitar, che, grazie alla passione di George Harrison per la cultura indiana, è il primo strumento esotico ad apparire in un disco pop occidentale, con l’esordio in Norwegian Wood nell’album Rubber Soul.

D: Un momento di sgomento nella carriera artistica dei Beatles, fu la scomparsa di Brian Epstein. Come si può “fotografare” la sua figura all’interno del gruppo?

R: A Brian Epstein, non dobbiamo mai dimenticarlo, si deve l’esistenza dei Beatles. Fu la sua curiosità a guidarlo fino a loro, il suo fiuto a comprenderne le potenzialità e il suo lavoro insistente – nonostante un considerevole numero di delusioni e di rifiuti incassati da diversi responsabili di etichette discografiche – a procurar loro un contratto. Brian diede loro un’immagine, li guidò nei comportamenti e ne fece un successo internazionale; di certo, dopo la decisione del gruppo di sospendere i concerti dal vivo e concentrarsi esclusivamente sul lavoro di studio, il suo apporto diminuì considerevolmente nella vita artistica dei Beatles. Questo imprevisto senso di vuoto andò ad aumentare le sue fragilità di essere umano, le difficoltà quotidiane di un ebreo omosessuale nella Gran Bretagna degli anni sessanta, portandolo a una fine tragica a soli 32 anni. I Beatles ne furono devastati, nonostante l’autonomia raggiunta, e la mancanza di una guida stimata e riconosciuta da tutti loro finì per diventare il primo grande squilibrio sulla strada della dissoluzione della band.

D: Che influenza ebbe su Geoff, quello che viene riconosciuto come il più grande dischi rock di tutti i tempi “Stg.Peppers Lonely Heart Club Band”?

R: Innanzitutto rovescerei il quesito, ovvero che influenza ebbe Geoff sulla creazione di Sgt. Pepper. Come dice anche Elvis Costello nella sua bellissima prefazione al libro, il nome di Emerick avrebbe dovuto figurare accanto a quello di George Martin per la produzione dell’album, e io sono d’accordo. Paradossalmente, erano tempi diversi, nei quali le note di copertina praticamente non esistevano e sul disco il suo contributo non risulta affatto. Questo per fortuna non gli impedì di vincere il Grammy come miglior ingegnere del suono di quell’anno, il massimo riconoscimento per la sua categoria. E di sicuro non c’è da stupirsene: quel viaggio coloratissimo, psichedelico, dirompente e tecnicamente inappuntabile (soprattutto pensando a quelli che oggi ci appaiono i limitatissimi strumenti a disposizione) si deve al genio appassionato di Emerick, che fece in modo – a volte in maniera rocambolesca e sorprendente – che le idee degli autori si trasformassero in materia sonora e approdassero sul vinile. Certamente, da allora in poi, essere “il fonico di Sgt. Pepper” fu l’appellativo col quale fu maggiormente ricordato.

D: Il volume si sofferma anche su la parte di carriera di Paul McCartney con i Wings. Che focus merita questo passaggio?

R: È naturale e comprensibile che l’appeal principale di un volume del genere, per l’appassionato, sia rappresentato dai racconti di un testimone diretto del quotidiano della più grande band di tutti i tempi. Ma la narrazione dell’epopea di Band On The Run, capolavoro forse ineguagliato del McCartney solista è altrettanto entusiasmante. La controversa decisione di registrare in Africa, la defezione di metà del gruppo alla vigilia della partenza, le difficoltà estreme per l’inadeguatezza degli studi, una spaventosa rapina nella quale vanno perduti gli appunti delle canzoni, gli scontri imprevedibili con la cultura locale e, nonostante tutto questo, quello straordinario risultato finale, sono materia di leggenda. Non c’è lettore che non ne resterà colpito.

D: In chiusura del volume lo stesso Geoff dice aver contribuito anche lui ad aver portato i Beatles sulla cima. In che percentuale secondo lei?

R: I testimoni che parlano di Emerick ci raccontano di un uomo schivo ed estremamente umile, consapevole della grande avventura che la vita gli aveva regalato. Sarebbe però impensabile supporre che non fosse conscio del suo contributo alla parabola artistica dei Beatles. Misurarlo è impresa pressoché impossibile, ma la mia opinione è questa: godiamo incessantemente da 60 anni di capolavori che non ci stancano mai, anzi non smettono di sorprenderci quasi ad ogni ascolto. Senza Geoff, il risultato sarebbe stato quantomeno diverso. Io dico che si merita un nostro lungo applauso.

Sergio Cimmino

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Piergiacomo Petrioli è uno storico dell’arte della cucina e cucina nell’arte. Infatti, ha raccontato attraverso l’arte pittorica in particolare quella della “natura morta”, i cibi dell’Emilia Romagna dall’età antica a quella moderna. Tra questi, anche i famosi tortelloni e tortellini e anche la zucca, che si utilizzava e si usa un po’ dappertutto (soprattutto nei primi piatti) per dare sapore. Domenica 28 gennaio 2024 in occasione dello Slow Food presso il Museo del Risorgimento a Bologna, noi di NonSolo.TV abbiamo intervistato Piergiacomo per raccontare l’arte e la sua passione per i cibo, i suoi sapori e anche colori.

K: Ci racconti un po’ come è cambiato nella storia il cibo in Emilia Romagna attraverso l’arte?

P: Direi che quello che c’è da vedere come la tavola e i prodotti anche in Emilia Romagna cambiano nel corso dei secoli, osservando i dipinti di nature morte,  un genere di pittura che nasce alla fine del ‘500 . Possiamo vede che all’inizio ci sono alcuni prodotti e poi ne vengono introdotti di nuovi dall’America, come il mais, il pomodoro e il peperoncino e dalla Cina, come le melanzane. Poi direi anche vedere come certi prodotti rimangono costanti nel corso dei secoli, e infatti, Slow Food facendo i presidi alimentari, cerca di scoprire e preservare la frutta e verdura e prodotti che sono storici della regione Emilia Romagna.

K: Anche la dieta è piuttosto cambiata, come ad esempio, c’è un grande ritorno al biologico. Cosa ne pensa?

P: Si, comunque fino al ‘500 i prodotti erano tutti biologici. Si ritorna al bio perché è più salutare e si riprende a mangiare prodotti stagionali. Poi soprattutto  si ritorna a non ricercare alimenti fuori stagione, perché vengono non dal territorio e non dal chilometro 0 e quindi vengono coltivati in modo che non è per nulla naturale. Quindi, direi che si ritorna un po’ all’antica: prodotti di stagione e a chilometro 0.

K: Qual è secondo lei il collegamento tra il cibo e l’arte?

P: L’arte un po’ ci insegna e ci fa vedere quei prodotti che abbiamo dimenticato e che possiamo riscoprire come il melone Rospa, che viene coltivato in area ferrarese. Questo tipo di melone compare in molte nature morte fino dal ‘600 ed è stato recuperato e riproposto da Slow Food.

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Moira Lena Tassi, pittrice e attrice nata in Svizzera, ma cresciuta a Città di Castello, in Umbria, ha manifestato le sue innate doti artistiche fin dalla giovane età. Pur avendo frequentato il liceo classico e ottenuto una laurea in Lingue e Letterature Straniere, la sua passione per la pittura non ha mai vacillato.

Attualmente residente e attiva a Bologna, Moira Lena Tassi prosegue la sua intensa attività artistica, caratterizzata da produzioni, performance e organizzazione di eventi in varie località italiane. Inizialmente autodidatta, ha successivamente approfondito le tecniche pittoriche, reinterpretando le opere dei grandi maestri del Rinascimento e dell’antichità con un tocco personale.

La sua sperimentazione abbraccia forme artistiche diverse, inclusa l’arte astratta contemporanea, ma il suo focus rimane sulla figura umana e sul ritratto. La sua creatività è guidata da un amore e una sensibilità per la Bellezza che vanno oltre l’estetica, cercando una sublimazione della materia, soprattutto nei ritratti femminili. Particolarmente sensibile alle problematiche sociali e ambientali, Moira Lena Tassi utilizza materiali di riuso carichi di emotività legata a momenti significativi della vita, sua e degli altri. Le sue installazioni e costumi scenici completano le performance, arricchendo la sua presenza artistica.

Ha esposto in numerose mostre in Italia e in Germania, organizzando eventi benefici per la Fondazione IEO di Milano a sostegno della ricerca sul cancro. Alcune sue opere sono permanentemente esposte presso il charity shop Cuore a Cuore dell’ANT e importanti istituti e musei.

Tra le sue opere più recenti, emergono “Beatrice No violence” e “Maddalena con le scarpe rosse” esposte negli spazi di ArteBo a Bologna durante l’inaugurazione della mostra Voci Silenziose. Moira Lena Tassi ha anche interpretato i monologhi legati alla storia di Beatrice Cenci e Artemisia Gentileschi, vittime di violenza nel 1500 e nel 1600, in occasione della giornata internazionale contro la violenza sulle donne. Inoltre, giovedì 30 novembre ha interpretato il racconto autobiografico di Franca Rame, vittima di stupro nel 1973.

K: Buonasera Moira, piacere di sentirti. Allora sei nata a Losanna in Svizzera ma sei cresciuta a Città di Castello. Come ti hanno influenzato questi due ambienti sulla tua arte?

M: Certo, il proprio vissuto è importante. Il fatto che abbia vissuto i primi 13 anni di vita a Losanna chiaramente ha influito nel mio percorso artistico, perché nelle mie opere c’è sempre qualcosa di autobiografico a parte gli autoritratti, in cui si vede in modo molto evidente. Diciamo le mie esperienze di vita come donna e poi questa passione per l’arte l’ho avuta fin da piccola e negli ultimi anni, la mia attività artistica si è intensificata notevolmente. Infatti, ho preso a parte a mostre e ho realizzato performance in varie parti d’Italia, tra cui all’Isola d’Elba, Umbertide, Castiglion Fiorentino, Sangiustino Sansepolcro, Città di Castello, Bologna, a Roma e molte altre ancora.

K: Abbiamo notato che sei molto sensibile anche alle tematiche sociali e ambientali. Come realizzi le tue opere e quali messaggi vorresti comunicare?

M: Sono particolarmente legata ad un evento da titolo “Kintsugi quando l’Arte ricostruisce”, che ha coinvolto diversi artisti cantanti, musicisti, ballerini, attori e il noto attore Giordano Petri venuto appositamente da Roma. E’ stato evento unico ed intenso che coinvolge numerosi artisti tutti legati al territorio dell’Alta Valle del Tevere, ideato da me  di unire le diverse forme d’arte come la danza, la musica, la recitazione e la pittura e creare un evento che fosse non solo un’occasione di intrattenimento, ma anche un modo per raccogliere fondi in sostegno ai terremotati della frazione di Pierantonio. A questa particolare rassegna, mi sono ispirata alla filosofia del kintsugi, che significa l’arte di riparare la ceramica con l’oro ed è anche una filosofia di vita, ovvero quello di esaltare le proprie imperfezioni perché ci rendono belli e originali. Quindi, con questa filosofia noi artisti abbiamo dato una mano ai terremotati per raccogliere denaro per aiutarli e ci siamo esibiti ognuno con la propria arte. Io ho realizzato il “kintsugi” emotivo, in cui all’ultimo il pubblico ha scoperto un quadro sul quale avevo realizzato uno scorcio di Pierantonio e uno scorcio di Umbertide, sul quale ho disegnato delle linee spezzate nere sulle quali gli artisti con un pennarello oro sono andati a ricoprirle. Quindi, come se fossero andati a riparare queste crepe e ognuno di loro ha lasciato una traccia su quest’opera, che poi è stata donata al comune di Umbertide ed esposta al museo di Santa Croce. Insomma, ho sempre realizzato queste opere per dare un messaggio di fratellanza e anche di riflessione sulle problematiche sociali.

K: Comunque hai coinvolto anche il pubblico a lasciare una traccia su Beatrice No violence. Quanto ti piace coinvolgere lo spettatore?

M: E’ qualcosa che fa parte di me e mi piace utilizzare l’arte nelle sue molteplici forme espressive, perché il mio intento è quello di colpire la sensibilità delle persone il più possibile. Se colpisce le persone attraverso tutti i nostri cinque sensi, sicuramente l’effetto è maggiore.

K: Come scegli i personaggi da ritrarre e in che modo riesci a catturare l’essenza dei loro volti?

M: Spesso mi ispiro ad artisti del passato e quindi ai grandi maestri del rinascimento e del barocco, perché noi dalla storia dobbiamo imparare molto. Non abbiamo imparato molto, perché la storia si ripete e poi ho una formazione umanistica e studiando ad esempio le tragedie greche ci si rende conto che l’uomo rifà sempre gli stessi errori. I sentimenti di allora che venivano messi in evidenza nelle tragedie greche sono gli stessi che usiamo oggi come gli stessi atteggiamenti da parte dell’uomo e della donna. Chiaramente, mi piace ispirarmi a personaggi storici che hanno fatto la storia dell’arte e dell’umanità e soprattutto personaggi femminili. Sono una ritrattista e amo descrivere e raccontare il volto umano, catturare l’animo delle persone attraverso gli occhi, che sono quelli che maggiormente colpiscono lo spettatore. La mia ricerca è volta all’umanità, perché secondo me è qualcosa che abbiamo perso e che dobbiamo ritrovare. Infine, voglio emozionare attraverso l’arte e la vita stessa è fatta di emozioni.

K: Parlando di performance, secondo te qual è stata quella più che ha emozionato?

M: La mia performance più emozionante, l’ho fatta al Open Air Museum Italo Bolano uno dei pochi musei all’aperto in Italia e si trova a Portoferraio ad un evento intitolato “Le donne, il mare, l’approdo”. Era un 14 agosto e ho realizzato una performance sulle donne migranti per la quale ho scritto anche un racconto e ho indossato un mio abito ispirato al mare. Sono stata accompagnata al piano da Natalia Batenova, una bravissima musicista migrante originaria di Lutsk in Ucraina ed era fuggita dalla sua città sotto bombardamento, perché voleva mettere in salvo il suo bambino in grembo, quindi, si è rifugiata all’Isola d’Elba a Portoferraio. Ho avuto la fortuna di conoscerla e lei ha accettato di accompagnarmi con grande entusiasmo. Durante la performance ho letto “Vera Prigione”, poesia dell’attivista nigeriano Ken Saro Wiwa e un mio racconto sulle donne migranti, che ha emozionato tantissimo perché mi sono messa nei panni di una donna nigeriana che fugge dal Niger. Ho voluto raccontare il viaggio della speranza di una giovane donna nigeriana, che percorre nel pericolo e quasi sempre nell’anonimato e mi sono calata tanto bene nella parte, che le persone presenti si sono messe a piangere.

K: Riguardo la società di oggi come la vedi dal punto di vista artistico sul tema della violenza?

M: Direi che siamo tutti molto influenzati dai social e sopratutto ancora oggi c’è molta ignoranza. Inoltre, stiamo perdendo il senso di umanità senza pensare che siamo tutti fratelli che viviamo sullo stesso pianeta Terra.

K: Dato che fai spesso performance di personaggi femminili storici, c’è qualcuno che ti rappresenta di più o che si avvicina di più?

M: Penso che ogni essere umano è unico di per se. Ogni donna è diversa dall’altra ed è bello perché se fossimo tutti uguali sarebbe una noia. Quindi, non vedo me stessa in un’altra donna, semmai ho delle caratteristiche comuni con una donna o con un’altra. Siamo tutti esseri umani e abbiamo delle esperienze di vita simili per qualche aspetto, ma non saranno mai uguali. Magari, posso rivedermi in alcuni aspetti di qualche personaggio ma non ce n’è uno in particolare. E’ importante essere autentici perché oggi viene a mancare. L’autenticità è un grande valore e la diversità è un arricchimento, non una perdita. Anche riguardo i vestiti che creo, indosso quello che rappresento e quello che sono e non per rendermi somigliante ad un’altra persona. Ho tante sfaccettature ma sono sempre me stessa, autentica. Bisogna essere l’influencer di se stessi.

K: Raccontaci i tuoi prossimi progetti artistici o partecipazioni a mostre.

M: Allora, ho diversi progetti ma è tutto in divenire, perché preferisco non dirli per scaramanzia. Comunque, potete aggiornarvi sulla mia pagina social su Facebook Moira Lena Tassi.

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Si intitola “Aretusa” il nuovo singolo firmato da gruppo siciliano Miqrà. Un traccia che nasce dal cammino artistico della band e dalla esperienza nei viaggi. Un percorso musicale che ci porta in eco mediterranee antiche, nelle radici, tra suono del mare e affascinanti dei.

D: Siete nati nel 2012, quindi già avete alle spalle un ottimo percorso artistico. Come siete arrivati al nuovo singolo “Aretusa”?

R: Il percorso è stato impervio e lungo, anni di musica live per poi, nel 2018, decidere che era arrivato il momento di creare qualcosa di concreto che restasse in eterno. Da lì la registrazione del primo disco, il tour, gli altri momenti in studio ed i festival che ci hanno arricchito umanamente ed artisticamente.

Se ci penso Aretusa nasce proprio da lì, dai chilometri percorsi che sono tanti, la strada che ha iniziato a solcare le prime rughe nel mio viso, perché mi serviva qualche ruga in più per scrivere Aretusa. Quindi è così che nasce: viaggiando e guardandosi attorno, con il mondo che cambiava mentre anche noi inevitabilmente cambiavamo.

D: Il vostro nome vi lega anche indissolubilmente alla vostra terra. Cosa rappresenta musicalmente e anche umanamente essere siciliani e meridionali?

R: Quando nasci circondato dal mare hai due possibilità: vederlo come il confine della tua terra oppure, se sei fortunato, immaginarlo come l’orizzonte da solcare in cerca di mondi e storie lontane. Umanamente credo serva a forgiarti l’idea di accoglienza, che si rispecchia anche nei Miqrà e nel loro essere un collettivo di musicisti che da sempre accoglie altri artisti in collaborazioni. Musicalmente, invece, essendo stata la Sicilia terra di molteplici culture ospitate, abbiamo la fortuna di poter “rubare” qualcosa dalla tradizione greca, romana, normanna ed araba, finendo per miscelare miriadi di provenienze che rendono impossibile (o comunque ardua) l’idea di catalogarci con un genere musicale, perché a queste abbiamo aggiunto l’infinità di mondi e di posti che la musica stessa ci ha spinto a visitare.

D: Il mare, che ricorre nel vostro ultimo singolo è sinonimo di bellezza, mito, ma anche morte. Come riuscite concettualmente ad unire tutto questo nel brano?

Ogni volta che metto i piedi nudi in acqua cerco di ricordare che nessun mare ha solamente una costa, perché è questo l’errore che spesso facciamo. E siamo lì a bagnarci nella stessa acqua, quella che rappresenta divertimento e refrigerio per qualcuno, mentre per altri è luogo di tentata salvezza o morte.

Il mare ha una memoria infinita, proprio per questo può mantenere, a differenza nostra, il ricordo dei secoli e di tutte le storie che lo attraversano. Quindi no, non siamo stati noi a racchiudere tutto questo nel brano, è il mare che conserva tutto e tutto porta con sé.

D: Leonardo Sciascia diceva che per capire quanto è incredibile l’Italia bisognerebbe andare in Sicilia. Vi ritrovate in questa affermazione?

R: Onestamente, che non ce ne voglia Sciascia, credo proprio di no. Non più almeno. Veniamo da un luogo in cui tutto ha una velocità diversa, lenta e cadenzata su alcuni aspetti della vita, frenetica e caotica su altri. Forse in questo enorme vortice è possibile rivedere, come dal finestrino di un treno, lo scorrere di ogni cosa che ci circonda e provare a capire quanto di incredibile c’è in questo Paese. Questa Italia che ormai procede a velocità diverse non può più essere racchiusa, credo che non sia più fattibile, gli ultimi decenni poi sono stati tremendi (ma questo, ad onor del vero, Sciascia non poteva prevederlo). Quindi se vogliamo provare a capire questo enorme “puzzle” dico che è necessario fare lo sforzo di visitarlo tutto. Dai vicoli di Napoli, alla periferia romane, passando per la campagna Toscana, i colli emiliani, il Polesine, le grandi città del nord, le Alpi che ci circondano ed ogni singola isola. In fondo è anche questo che noi musicisti sogniamo di fare: portare le nostre note ovunque.

D: Prossimamente su cosa state lavorando?

R: Siamo in studio di registrazione per lavorare al nostro nuovo disco, è una creatura che sta prendendo forma giorno dopo giorno, proveremo a difenderla dal caldo dell’estate e dalle stranezze del tempo. Così magari, quando tornerà il freddo, sarà pronta a vedere la luce e diventerà di tutti.

Questo è il disco della consapevolezza di ciò che siamo e, soprattutto, di ciò che potremmo essere.

Sarà un gran disco!

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