Poi ho evitato, pensando che magari lo farò in futuro, o magari non lo farò mai; magari mi metterò anche io a fare le reaction, sebbene non abbia i capelli da deficiente ad un’età non opportuna (l’età non opportuna in compenso c’è tutta) né tatuaggi in vista – nemmeno uno con su scritto “osservazione”.

Avrei voluto scrivere dell’EP di Tutti Fenomeni, il cui unico difetto è che giunge in questi tempi grami di longevità zero e per questo non verrà ricordato come non viene ricordato niente (o quantomeno non ricordo io, che dimentico tutto dimentico tutti).

Forse in realtà ci vorrebbe solo una pandemia, ché durante la pandemia ho ascoltato Merce Funebre (il sorprendente disco d’esordio di TF) e m’è rimasto impresso – e anche la mia non italica metà né ricorda suoni e in parte versi.

Tutti Fenomeni piace a tutti come Bob Marley

Ma al di là dell’album che non recensirò mai (e rientrerà nell’infinita lista di cose che non farò mai), una cosa che m’ha colpito di Tutti Fenomeni recentemente è la sua presenza come featuring in due album quasi antitetici – da un lato Kid Yugi, dall’altro lato Fulminacci.

Da un lato rap hardcore, dall’altro indie capitolina (se non doveste essere d’accordo con le categorie, ricordo che nel postmoderno le categorie sono roba sorpassata).

E in altri gli album (entrambi meritevoli di recensione a loro volta) c’è Giorgio Quarzo Guarascio aka Tutti Fenomeni.

Ma se nel caso della traccia con Kid Yugi non m’ha entusiasmato probabilmente anche per le alte aspettative suscitate da entrambi gl aritisti (sebbene il risultato finale sia meglio di quello della traccia con Anna) m’è piaciuto ben più nella traccia con Fulminacci

Un no ascetico è meglio di un sì mondano
Resto a casa a guardare Montalbano.

Un no ascetico è meglio di un sì mondano

Dovrebbe essere il mio mantra, dovrebbe essere il mantra di una intera generazione (laddove una parte ha già optato per rimanere a casa – non necessariamente a vedere Montalbano).

E mentre ascoltavo questa frase ad effetto, quell’effetto che è un po’ la cifra stilistica del Quarzo Guarascio e che ricorda fortemente il Maestro mio conterraneo a volte citato dal Quarzo Guarascio, mi chiedevo se non sia il tempo di portarlo a Sanremo – questo Sanremo anni ’20 che pesca dappertutto, sebbene pare ci voglia la spinta delle mayor o dei grossi numeri sul web.

Per farlo diventare un po’ più mainstream. Per elevare il Bel Paese.

Per fargli raggiungere la gloria nazionalpop. Per fargli vincere anche a lui il Premio della Critica “Mia Martini”.

E per vendicare proprio il Maestro che il Festival lo vinse ma solo come autore.

L'articolo Tutti Fenomeni tra Kid Yugi e Fulminacci: prossima fermata Sanremo (per vendicare il Maestro) proviene da NonSolo.TV.

Passa un 30ennio e nel 2002 un gruppo punk rock italiano decide di citare, la filastrocca e le femministe. Più le femministe che la filastrocca, a giudicare dalle fattezze da fattucchiere della band (Le Bambole di Pezza, una girl band declinata in salsa punk, roba notevole) e dal testo – di cui riportiamo uno spezzone, quello che più colpiva lo scrivente:

Tremate che le streghe son tornate
Fuman marija ed erbe prelibate
Se vuoi volare lasciati andare
Tu vieni qua il viaggio può iniziare

Erano – per lo scrivente – gli anni dell’impegno politico nonostante la repressione genovese avesse appena dato il via alla scomparsa del movimento, gli anni delle erbe prelibate, gli anni di Rock TV.

Lanciata nel 2001 (da Gianluca Galliani, scopro ora – il figlio di Adriano AD del Milan, non esattamente un habituè del Leoncavallo) l’emittente propone musica alternativa a gogo (in gran parte rock, se non solo rock, ça va sans dire), portando alla fama mainstream personaggi come Pino Scotto – che di Rock TV è uno dei volti più noti (e continua ad esserlo, a quanto pare). 

Ricordo che in quegli anni di erbe prelibate – nei lunghi pomeriggi dove avrei fatto qualsiasi cosa (anche dedicarmi a sessioni onanistiche dinnanzi ai videoclip nell’epoca in cui il porno sul web era roba da eMule) piuttosto che aprire un libro di scuola – Rock TV era uno dei canali su cui mi soffermavo di più, anche perché Hip Hop TV – dedicato al mio genere musicale di riferimento degli anni a venire – arriverà solo nel 2008 quando sarò grandicello.

L’epopea di Rock TV continua fino al 2016 su SKY, quando il canale – nel capodanno – lascia il satellite (per poi tornare su Samsung TV e sul web).

E le bambole di pezza?

Il ritorno delle Bambole di Pezza, all’assalto del mainstream

Le streghe tornano, quindi, nel 2021. Ed è un ritorno assolutamente mainstream: dopo aver fatto parte del roster dell’etichetta punk True Records, le BDP tornano nel 2021 con una nuova formazione – un po’ ringiovanita e forse meno antagonista (non sappiamo quanto fossero antagoniste, non sappiamo quanto lo sono adesso; sappiamo solo che il video de Le Streghe riecheggi atmosfere da CSOA).

E le etichette attraverso cui passano sono il massimo dell’industria culturale: Universal, Sony ed EMI – con cui approdano a Sanremo.

Dopo il tentativo con La Sad (fatta da tre giovani il cui background non era solo punk e che nel 2003 erano cgiovanissimi se non neonati) il Festival dei Fiori ci riprova.

Dopo la mainstreamizzazione del rap e in attesa di quella del reggae (sento nell’aria che sta tornando il momento delle dancehall) il punk rock riuscirà ad essere rilanciato / sdoganato?

L'articolo Le streghe son tornate: dal punk da Rock TV a Sanremo, la parabola delle Bambole di Pezza proviene da NonSolo.TV.

Fino a qualche giorno fa, ne avevo letto forse di sfuggita.

Poi, come funziona con queste cose, ne ho iniziato a leggere dappertutto.

Ma tutto è iniziato da quei trend setter un po’ fasci de Il Blast.

TonyPitony è poi appunto iniziato ad apparirmi dappertutto: ho visto (un paio di secondi, il limite della mia attenzione) un video di uno YouTuber attempato che criticava l’eventuale genialità di TP; ho visto che dedicavano a TP video i due youtuber che fanno le reaction legate al mondo del rap e si sentono i più sagaci; e mi è apparsa nella timeline del mio account fake di Facebook la performance del Nostro durante i provini di X Factor del 2020 o giù di lì, con una geniale (quella sì) versione gorgogliata – neomelodica di Hallelujah (snobbata da Manuel Agnelli – che collera Manuel, quasi torno quello che odiava gli Afterhours per partito preso perché era un po’ fintint).

E lì mi è stato impossibile non notare il pattern.

Ma di dov’è TonyPitony?

Ma io qui voglio rispondere alla domanda che ho visto circolare su Google.

Classe 1996 (o così se la rappa nella intro de Nel 2067), è evidenziato qua e là che TonyPitony è siciliano (lo scrivono anche i camerati de Il Blast).

Ma di dov’è esattamente, ché la Sicilia è grande – siamo 5 milioni siamo una nazione (come recitava lo slogan elettorale di un candidato alle regionali di qualche tempo fa)?

Pensavo fosse catanese da una serie (in realtà alcune le ho dimenticate e di altre non son certo: si parla di ossa grosse in tutto il Bel Paese quando ci si giustifica della propria grassezza?) di spie linguistiche, non ultima quella legata all’omosessualità in Giovanni:

Come fanno
I puppi aricchionflash

Puppo, come omosessuale, si dice solo a Catania.

E poi il riferimento culturale di TonyPitony è chiaramente un altro Tony etneo, il compianto BriganTony, Maestro giusto subito dopo Battiato, di cui TonyPi è degno epigono.

L’immagine che segue, quindi, è sbagliata

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Corretta piuttosto è la seguente

In realtà poi ho scoperto la verità da Fiorello, che è di Augusta – ridente cittadina provincia di Siracusa ma molto vicina a Catania.

Fiorello che lo ha endorsato in maniera clamorosa nella prima apparizione della Rai del Nostro (in videochiamata): “In questo piattume musicale che affligge il mondo musicale italiano, svetta, illumina con sapiente genialità”.

Sì, genialmente sapiente o sapientemente geniale. Proprio TP.

Non ci scassate la minchia adesso dicendo che viviamo nella dittatura del politically correct, ah.

Ad ogni modo, ivi ho scoperto che TonyP è di Siracusa e perciò mi sbagliavo sulla sua catanesità ma non me la sento di modificare il finale che avevo già scritto.

Non ho capito se lo apprezzo o meno, ma in quanto catanese adesso non voglio disprezzarlo perché poi sembrerei il tipico catanese che va contro i suoi concittadini perché hanno successo mentre io lavoro in ufficio (e il mio capo lo ammazzo) – ma per certo sa cantare eppoi piace a Fiorello, quindi chi sono io per eventualmente criticarlo.

Con piacere lo ospiterei nel mio umile podcast ma forse anzi sicuramente è troppo tardi – sebbene c’abbiamo anche la connection FantaSanremo (lui ha fatto l’inno per la versione di quest’anno noi la penultima puntata).

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Pedigree si apre su un’immagine precisa: un evento mondano, luci controllate, volti che si incrociano senza davvero fermarsi. È in questo contesto che prende forma il singolo d’esordio dei BLUEYE!, uscito il 16 gennaio 2025 per Lost Music. Un brano R&B dall’impianto elegante, attraversato da leggere influenze trap, che lavora più sull’atmosfera che sull’urgenza.

Il racconto è lineare, quasi trattenuto. Un fotografo e un’attrice famosa si ritrovano nello stesso luogo dopo dieci anni, durante una serata che dovrebbe essere solo di rappresentanza. Uno sguardo, breve ma sufficiente a riattivare un passato condiviso. Pedigree costruisce questa dinamica come una scena isolata, senza spiegazioni aggiuntive, lasciando che il peso emotivo emerga dal contesto più che dalle parole.

L’idea dichiarata dal collettivo è quella di “mettere in musica una scena cinematografica”, e il brano segue coerentemente questa impostazione. Anche il trattamento sonoro è funzionale alla narrazione: il contesto musicale resta volutamente patinato e ovattato, lo stesso che circonda i protagonisti della storia. Non c’è ricerca di contrasto, ma coerenza tra ambiente, suono e racconto.

Questa scelta si riflette anche nella dimensione visiva del progetto. Il lancio del singolo è stato accompagnato da una serie di clip social che non promuovono la canzone in senso tradizionale, ma ne ampliano l’universo narrativo. Brevi frammenti visivi che mostrano scorci della serata, come se Pedigree fosse solo una parte di un racconto più ampio, costruito per immagini successive.

I BLUEYE! spiegano apertamente questa esigenza: la canzone, da sola, non era sufficiente. Da qui la decisione di affiancarle immagini capaci di dare un volto alle emozioni, agli errori e alle fragilità dei personaggi. Non un videoclip unico e risolutivo, ma una sequenza di momenti che restano volutamente parziali.

In questo senso, Pedigree non è pensato come un episodio isolato. È il primo capitolo di una storia destinata a proseguire con un secondo brano, già annunciato, che completerà il percorso narrativo. Una struttura a due atti che chiarisce fin da subito l’impostazione del progetto: canzoni concepite come parti di un racconto, non come singoli autosufficienti.

Anche l’identità visiva segue questa linea. Il grande occhio azzurro che rappresenta il collettivo diventa il simbolo di uno sguardo che osserva e registra, mentre la definizione “schifosamente pop” funziona come dichiarazione ironica e diretta, più che come etichetta di genere.

Pedigree resta quindi fedele alla sua natura: una scena, un incontro, un frammento narrativo. Il resto — la chiusura della storia (o forse solamente il sequel) — è rimandato al capitolo successivo.

L'articolo “Pedigree”: il debutto dei BLUEYE! nasce come una scena cinematografica proviene da NonSolo.TV.

Il tour accompagna l’uscita di The Romantic, nuovo album atteso il 27 febbraio e anticipato da un singolo in arrivo il 9 gennaio. Un disco che arriva dopo anni di silenzio discografico “tradizionale”, interrotti solo dalle residency di Las Vegas e dal progetto Silk Sonic con Anderson .Paak, che sarà presente anche in questa tournée come DJ Pee .Wee. Un dettaglio che dice molto dell’impronta sonora e dell’atmosfera che Mars vuole portare sul palco.

L’Europa entra in scena a giugno, con due date consecutive a Parigi, allo Stade de France. Da lì il tour attraversa alcune delle capitali musicali più simboliche del continente: Berlino, Amsterdam (con doppio appuntamento), Madrid e Londra, dove Bruno Mars riempirà Wembley per due sere di fila.

E poi c’è l’Italia.

La data italiana: Milano, San Siro, 14 luglio

L’unica data italiana di The Romantic Tour è fissata per il 14 luglio 2026 allo Stadio San Siro di Milano. Una scelta netta, senza repliche né alternative. San Siro non è soltanto uno stadio: è un filtro. Chi lo sceglie sa di poter sostenere uno show pensato per decine di migliaia di persone, sa di avere un pubblico trasversale e fedele, e soprattutto sa di non dover spiegare nulla.

Il ritorno di Bruno Mars in Italia arriva in un momento in cui il pubblico è più abituato ai grandi eventi internazionali, ma resta significativo. Non è un’operazione nostalgica, né un omaggio ai fan della prima ora. È una tappa strategica dentro un’estate europea che non lascia spazio all’improvvisazione. Milano è lì perché deve esserci.

Dal punto di vista artistico, questa tournée sembra voler chiudere una fase. Dopo anni di controllo assoluto, di apparizioni calibrate e di lavoro quasi artigianale sul suono, Mars torna a esporsi nella forma più classica e rischiosa: il tour negli stadi. Con una band completa, una produzione importante e una scaletta che, inevitabilmente, metterà insieme il nuovo corso romantico e i brani che lo hanno reso uno degli entertainer più riconoscibili al mondo.

Bruno Mars – The Romantic Tour: tutte le date

Nord America

• 10 aprile – Las Vegas, NV – Allegiant Stadium
• 14 aprile – Glendale, AZ – State Farm Stadium
• 18 aprile – Arlington, TX – Globe Life Field
• 22 aprile – Houston, TX – NRG Stadium
• 25 aprile – Atlanta, GA – Bobby Dodd Stadium at Hyundai Field
• 29 aprile – Charlotte, NC – Bank of America Stadium
• 2 maggio – Landover, MD – Northwest Stadium
• 6 maggio – Nashville, TN – Nissan Stadium
• 9 maggio – Detroit, MI – Ford Field
• 13 maggio – Minneapolis, MN – U.S. Bank Stadium
• 16 maggio – Chicago, IL – Soldier Field
• 20 maggio – Columbus, OH – Ohio Stadium
• 23 maggio – Toronto, ON – Rogers Stadium
• 24 maggio – Toronto, ON – Rogers Stadium

Europa

• 20 giugno – Parigi, Francia – Stade de France
• 21 giugno – Parigi, Francia – Stade de France
• 26 giugno – Berlino, Germania – Olympiastadion
• 4 luglio – Amsterdam, Paesi Bassi – Johan Cruijff ArenA
• 5 luglio – Amsterdam, Paesi Bassi – Johan Cruijff ArenA
• 10 luglio – Madrid, Spagna – Riyadh Air Metropolitano
• 14 luglio – Milano, Italia – Stadio San Siro
• 18 luglio – Londra, Regno Unito – Wembley Stadium
• 19 luglio – Londra, Regno Unito – Wembley Stadium

Nord America (seconda parte)

• 21 agosto – East Rutherford, NJ – MetLife Stadium
• 22 agosto – East Rutherford, NJ – MetLife Stadium
• 29 agosto – Pittsburgh, PA – Acrisure Stadium
• 1 settembre – Philadelphia, PA – Lincoln Financial Field
• 5 settembre – Foxborough, MA – Gillette Stadium
• 9 settembre – Indianapolis, IN – Lucas Oil Stadium
• 12 settembre – Tampa, FL – Raymond James Stadium
• 16 settembre – New Orleans, LA – Caesars Superdome
• 19 settembre – Miami, FL – Hard Rock Stadium
• 23 settembre – San Antonio, TX – Alamodome
• 26 settembre – Colorado Springs, CO – Falcon Stadium
• 2 ottobre – Inglewood, CA – SoFi Stadium
• 3 ottobre – Inglewood, CA – SoFi Stadium
• 10 ottobre – Santa Clara, CA – Levi’s Stadium
• 14 ottobre – Vancouver, BC – BC Place

L'articolo Bruno Mars torna in Europa dopo quasi dieci anni (e c’è anche Milano): tutte le date proviene da NonSolo.TV.

You are my fire / The one desire / Believe when I say / I want it that

C’è bisogno di aggiungere altro?

Non scriveremo, non adesso, non ancora una volta, di quanto quella estate del 1999 segnò le nostre vite – forse perché era l’ultima estate del millennio e più che moti millenaristici all’epoca avevamo una discreta fiducia per il futuro (noi teen o giù di lì, quantomeno).

Faremo un breve recap di come i Backstreet Boys – con I Want That Way – travolsero l’industria musicale.

Scelto come primo singolo dell’album Millennium (al posto di Larger Than Life che fu lanciato solo in seguito) fu capace di paizzarsi al primo posto in oltre 25 Paesi (ivi compreso il nostro Bel Paese) – divenendo di fatto l’anthem del gruppo e in assoluto dell’universo boybandistico mondiale.

Nessuna canzone di una boy band (fenomeno di fine anni ’90 come poc’altri) riuscirà a bissare il successo (tutti la sanno a memoria, tutti tranne chi mente). Segnò un’epoca, con tanto di parodie (indimenticabile quella dei Blink 182) e di piazzamento nella classifica delle 500 canzoni più importanti della storia di Rolling Stone (mica cazzi).

Backstreet Boys e il video di I Want It That Way (nel 1999 e 26 anni dopo)

A fare epoca fu il video, dicevamo, ampiamente pariodiato e in heavy rotation in tutte le TV musicali dell’epoca (in Italia ai tempi MTV ospitata da ReteA, TMC2 e The Box – Music Television you control). Il video originale ha superato il miliardo di visualizzazioni su YouTube nel 2021, attestandosi al momento della scrittura del post oltre il miliardo e 600 milioni. (Bazzecole, eh)

Ebbene, 26 anni dopo i BSB hanno deciso di riproporre il remake del video. Nella stesa location, l’aeroporto di Los Angeles (sull’altra costa rispetto al luogo – Orlando, Florida – in cui nel 1993 iniziò tutto).

Il bellissimo (con quel ciuffo mamma mia) e probabilmente più famoso Nick Carter, Howie Dorough, AJ McLean, Brian Littrell (che oggi fa musica cristiana e che ha una faccia da simpaticone con cui faremmo serata adesso) e Kevin Richardson tornano sul luogo del delitto (della strage di cuori fatta a suo tempo).

Che effetto fanno? Sospendiamo il giudizio – prima di chiudere con la cit. di un’altra gloriosa canzone.

Il tempo passa per tutti lo sai, nessuno indietro lo riporterà (neppure noi)

L'articolo Se credi di stare invecchiando, non hai ancora visto il remake del video di I Want It That Way proviene da NonSolo.TV.

Dopo 30 anni scoprire che “Maria Maria” degli Articolo 31 è una cover fa crollare tutte le certezze della vita – recita così la didascalia di un video postato Mauro Casciari (o da chi per lui) sul suo profilo Facebook.

La descrizione del video, ci va ancora più pesante: “Ci sono cose che non andrebbero scoperte, ma volte ci sbatti contro e ti chiedi come sia stato possibile. Perché ci hanno ingannato per trent’anni? Perché non c’è scritto da nessuna parte, perché non c’è scritto grosso sul disco, sul CD che custodisco gelosamente da sei lustri nella mia discoteca? Questo non dovevate farmelo Articolo 31, avete minato la mia adolescenza. Trovo scardinate oggi le basi sulla quale ho costruito la mia personalità, le mie tensioni, le mie convinzioni. È tutto finito”.

Ebbene, il video è diventato presto virale – ma i commenti che ha attirato non sono esattamente positivi (sebbene sul web basta far parlare per avere un risultato apprezzabile).

Maria Maria degli Articolo 31 è un cover? Un plagio? Cos’è?

Prima di fare chiarezza, atteniamoci ai commenti

Non è una cover ma una citazione nel ritornello, come parecchie canzoni rap. Gli stessi Articolo hanno citato Disperato erotico stomp alla fine di L’Impresa eccezionale, Gianna in Così e cosà e altre. Tralasciando gli Articolo c’è I’ll be missing you che cita i Police parlando di quella più famosa. Nell’ultimo album Fibra apre il disco con L’avvelenata di Guccini, di cui ha preso l’inizio. La cover è prendere l’intera canzone.

Francamente la citazione mi è sempre arrivata chiara. Non so se fossero tenuti a specificarla in copertina o nei crediti. Gli Articolo 31 utilizzano questa tecnica da sempre. Il mio mondo è ancora solido. Le certezze non sono crollate

Per fortuna che lavori in radio. Ma studiare la storia degli articolo che campionavano tracce famose come la maggior parte di chi fa rap no? Quanta pochezza Casciari…

Ebbene, Casciari (o il suo SMM) può prendere appunti.

E sarebbe d’altra parte bastata una ricerca online per scoprire che anche sulla pagina Wikipedia della canzone (che per altro si chiama Ohi Maria e non Maria Maria) per scoprire che è scritto in maniera discretamente esplicita:

Il ritornello è costruito su campionamenti del brano Ohi Maria di Lara Saint Paul.

Insomma, se non una gaffe una svista abbastanza evidente.

L'articolo Maria Maria degli Articolo 31 è una cover? La figuraccia di Casciari (che non azzecca nemmeno il nome) proviene da NonSolo.TV.

Per chi li ha seguiti davvero – non soltanto nelle settimane sanremesi, ma nel loro modo di vivere la musica quasi come un’estensione del quotidiano – la rottura dei Coma Cose non è stata un fulmine a ciel sereno. È sembrata più un rallentamento fisiologico, un cambio di passo, quel momento in cui capisci che un equilibrio così particolare, così costruito a due voci, inizia a scricchiolare (per cedere definitivamente, dopo gli scricchiolii del passato poi rientrati). Eppure, la storia di Fausto Lama e California resta una delle più singolari degli ultimi anni: un incontro artistico nato quasi per caso, trasformato in un duo capace di unire pop, cantautorato, elettronica e storytelling sentimentale.

Il grande pubblico li scopre davvero a Sanremo. Nel 2021 portano “Fiamme negli occhi”: un brano che, al di là della gara, funziona come dichiarazione d’intenti. Un amore musicale e privato esposto senza filtri, con quell’equilibrio tra intimità e ironia che era già diventato la loro cifra. Tornano nel 2023 con “L’addio”, un ritorno inaspettato e in qualche modo profetico: un brano maturo, più consapevole, capace di portare a casa il premio “Sergio Bardotti” per il miglior testo. Durante quell’edizione, per molti, si intravede una tensione diversa, uno sguardo meno fuso rispetto al passato. Ma in realtà poi ci sarà anche la terza partecipazione, quest’anno, con “Cuoricini”, destinata a diventare una vera e propria hit quasi ricchepoveresca.

Poi, nemmeno troppo tempo fa, il concerto di piazza a Sortino, nel siracusano, il 10 settembre. L’ultimo vero momento condiviso sul palco, quello in cui – raccontano alcuni presenti che ne hanno scritto sui social – si percepiva che la sintonia non era più quella di un tempo. Non c’è stato un annuncio immediato, niente dichiarazioni post-live, solo la sensazione che quello sarebbe stato un punto e a capo. La conferma ufficiale, infatti, giunge solo il 6 ottobre: un post asciutto, elegante, con quella frase destinata a restare nella memoria dei fan. “L’amore si trasforma ed è stato così anche per il nostro, saremo sempre qualcosa di speciale e irripetibile”.

Tradotto: non cancelliamo quello che siamo stati, ma adesso abbiamo bisogno di spazio.

Da quel momento le strade iniziano già a separarsi in modo netto. Il profilo Instagram di California – Francesca Mesiano – resta immobile. Nessun aggiornamento, nessuna dichiarazione, nessuna traccia musicale che lasci immaginare un progetto solista imminente. Un silenzio che può voler dire molte cose: riflessione, pausa voluta, o semplicemente la necessità di restare fuori dal rumore per un po’. Non è un mistero che California, anche nei momenti di grande esposizione, sia sempre stata quella più riservata, quella che lascia parlare la musica e si sottrae volentieri agli aggiornamenti compulsivi.

Fausto Lama, invece, si muove diversamente. Pochi giorni dopo la comunicazione ufficiale, pubblica una storia che dice già tutto: “Faccio musica nuova”. E non un post qualunque, ma direttamente dallo studio. Segno che la sua fase solista, come confermato da diverse testate, non solo è iniziata, ma probabilmente era già in moto dietro le quinte (d’altra parte in passato aveva già scritto e cantato, con il nickname di Edipo).

Ora la traiettoria sembra chiara: Fausto sta cercando (sta ripescando) una sua identità autonoma, senza per forza rinnegare la storia dei Coma Cose.

La domanda è: in che direzione andrà? Difficile dirlo. Potrebbe recuperare certe radici rap che negli anni aveva messo da parte; oppure rimanere su un pop più strutturato, quello che nei Coma Cose aveva funzionato così bene. Quel che è certo è che non avrà difficoltà a ritagliarsi uno spazio: la scrittura c’è, la visione anche, e la voglia di ripartire sembra più che evidente.

Di California, per ora, niente. Silenzio totale. Ed è un silenzio che pesa, perché negli anni ha dimostrato di essere molto più di “l’altra metà del duo”: la sua estetica, la sua voce, il suo modo di stare sul palco hanno inciso eccome. Non resta che attendere. E, nel frattempo, accettare che i Coma Cose siano diventati quello che avevano promesso nel post: qualcosa di speciale, sì, ma anche qualcosa che appartiene al passato.

L'articolo Cosa ne è dei Coma Cose dopo la separazione? Tra progetti solisti e silenzio proviene da NonSolo.TV.

Mentre i giudici si sono divisi sulle scelte artistiche, tensioni da ballottaggio e performance, fuori dallo studio è il pubblico digitale a parlare con chiarezza. E i numeri premiano un nome su tutti: EroCaddeo, giovane artista di origini sarde ma nato a Modena.

X Factor 2025: le canzoni più ascoltate su Spotify

L’inedito più forte della semifinale — e dell’intera edizione — è senza dubbio “Punto” di EroCaddeo. Il brano, pubblicato subito dopo la puntata, ha conquistato rapidamente migliaia di ascolti, entrando nelle playlist editoriali e stabilizzandosi nelle classifiche italiane. È la canzone che sta performando meglio su Spotify, con un trend di crescita costante che lo posiziona come potenziale vincitore “commerciale” del programma.

Gli altri semifinalisti mantengono risultati solidi, anche se meno esplosivi:

• “Sicilia Bedda” – Delia: brano nostalgico in lingua siciliana e sorprendentemente condiviso sui social, con un incremento stabile di ascolti giorno dopo giorno.
• “Barche di Carta” – tellynonpiangere: una delle sorprese dell’edizione, molto apprezzata dal pubblico più giovane.
• “Tatuaggi” – Tomasi: il più radiofonico del gruppo, continua a raccogliere stream grazie a un sound moderno.
• “Cento ragazze” – Rob: un brano pop punk che non esplode, ma convince.
• “Neve sporca” – PierC: cresce lentamente, sostenuto da una fanbase piccola ma molto fedele.

Il punto chiave è chiaro: gli ascolti in streaming stanno diventando decisivi quanto le performance live.

Live contro digitale: chi ha convinto davvero

La semifinale ha messo in luce un aspetto ormai centrale per X Factor: la musica non vive solo sul palco, e un artista che funziona negli streaming dimostra di poter reggere il mercato reale.

EroCaddeo, forte del suo percorso e del successo di “Punto”, ha un vantaggio competitivo enorme. Tuttavia, Rob ha mostrato un’identità artistica solida che potrebbe sorprendere durante la finale, così come Delia, che si è esibita anche in italiano, uscendo fuori dalla sua comfort zone. A sorpresa, anche il giovane Tomasi potrebbe stupire e varcare la soglia del podio.

Verso una finale più aperta che mai

X Factor 2025 entra nella sua fase decisiva con numeri chiari: “Punto” è il brano più ascoltato, un successo su Spotify potrebbe anticipare il verdetto della finalissima. Ma X Factor insegna che nulla è scontato: il voto live, l’emozione della diretta e l’ultima performance potrebbero ancora ribaltare tutto.

L'articolo X Factor 2025: gli inediti più ascoltati su Spotify e chi potrebbe vincere proviene da NonSolo.TV.

Se n’è andata a 91 anni Ornella Vanoni, una delle più belle voci della musica italiana. Ne abbiamo parlato per le sue frasi iconiche, per quella lingua affilata che non ha mai conosciuto pensionamento, ma qui voglio ricordarla per ciò che spesso resta sullo sfondo: i suoi esordi. Erano i primi anni ’50 quando si avvicinò al mondo dell’arte, al palco, attraverso la recitazione. Iniziò alla scuola del Piccolo Teatro di Milano, per poi diventare poco dopo compagna del direttore di quel teatro, l’iconico – e oggi sorprendentemente ignoto a certe nuove generazioni (if you know who I am referring to) – Giorgio Strehler.

Da lì partì un percorso che l’avrebbe portata non solo a diventare una delle interpreti più raffinate della canzone italiana, ma anche la voce simbolo di un repertorio destinato a restare nella storia: le canzoni della Mala.

Le canzoni della Mala: un falso storico diventato leggenda

Quelle che per anni abbiamo chiamato “canzoni della Mala” non erano, in realtà, autentici canti popolari di malavita. Erano piuttosto un repertorio costruito a tavolino, un’operazione teatrale e musicale ideata tra il 1957 e il 1959 da Giorgio Strehler insieme a Fiorenzo Carpi, Gino Negri e Dario Fo, tutti gravitanti attorno al Piccolo Teatro di Milano. Brani che raccontavano storie di furfanti, carcerati, sbirri, malfattori, balordi, minatori, con quell’estetica ruvida e notturna che suggeriva un’origine spontanea, quasi “di strada”.

La giovane Vanoni, iscritta alla scuola del Piccolo, fu scelta per interpretarli durante gli intervalli di uno spettacolo teatrale. Fu un banco di prova e insieme un colpo di teatro: la sua voce, così intensa e scura, diede credibilità assoluta a quell’universo narrativo. Strehler arrivò persino a raccontare di aver trovato vecchi spartiti dimenticati in un cassetto, alimentando il mito di un repertorio popolare riscoperto per caso. La verità emerse presto: erano brani originali, scritti apposta, finti canti popolari spacciati per tradizione.

Eppure, proprio questo falso storico si trasformò in uno dei momenti più potenti della nostra canzone.

Storytelling criminale: dalla mala al microfono

Cosa vi ricorda tutta questa storia?

Come non pensare al gangsta rap italiano – che pure negli anni s’è avvicinato effettivamente ad ambienti di mala, pur essendo all’inizio puro storytelling o giù di lì?

Oggi è difficile dubitare della street credibility di molti che fanno questo genere, ma un tempo non era così: i primi “credibili” sono stati probabilmente i componenti dell’ODEI di Roma, sebbene i primi ad offrire contenuti gangsta siano stati verosimilmente i Club Dogo.

I Club Dogo, guarda caso, di Milano. La stessa città che aveva visto nascere le canzoni della Mala di Ornella Vanoni. E con un componente della Dogo Gang, Marracash, quella connessione simbolica si è fatta perfino reale, intrecciando generazioni, linguaggi e malinconie.

Nel giorno della morte di Ornella Vanoni, la musica si è unita nel ricordare uno dei pilastri della canzone italiana. Tra gli artisti che hanno voluto omaggiarla anche Marracash, che ha scritto sui social un semplice ma eloquente: “Ciao amica mia”.

Era già diventato virale un video di una puntata del podcast 2046, con Fabio Fazio e Ornella Vanoni ospiti, in cui le veniva ricordato il suo “debole” per il rapper di origini siciliane. Lei, con la solita ironia che oscillava tra verità e teatro, rispondeva senza filtri: lo trovava un gran figo, e ammetteva che, con qualche anno in meno, non avrebbe disdegnato altro che una chiacchierata.

E non erano solo parole. Nel 2023 Vanoni era stata davvero invitata a cena da Marracash. Seduti uno di fronte all’altra, Ornella aveva confessato che se fosse stata più giovane ci avrebbe provato sul serio, salvo poi aggiungere, con lucidità quasi spietata: “Ma non saremmo andati d’accordo, perché vado in tristezza anche io. Triste tu, triste io, un disastro”.

Una frase che racconta più di mille aggettivi la profondità emotiva di questa donna e la sua capacità di riconoscere nell’altro una stessa fragilità, lo stesso buio poetico.

Marracash l’aveva inoltre anche citata nel suo 64 Bars ’64 barre di vittoria’, inserendola nel suo immaginario come una figura familiare (“Quando si stacca dalle riunioni fumo una canna con la Vanoni” – era la rima con chiudeva le sue barre).

Con Ornella Vanoni, insomma, se ne va qualcosa che somiglia a una madre putativa del gangsta rap italiano. Non per intenzione, ma per eredità culturale. Perché quelle canzoni della Mala rappresentano, a tutti gli effetti, il gangsta storytelling prima che il gangsta storytelling diventasse un genere codificato.

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